Statement

私は、生命の儚さと、その中で起こる出来事を明らかにしようとしています。

方眼紙へのドローイング、絵画、そして布を用いた作品の間を行き来しながら、記憶に留めたい大切な感覚を薄い支持体の上に刻み込んでいます。「無常」と「意味」が共存する生の本質は、常に私を惑わせます。作品を通じて、無（nothing）でありながら全て（everything）であるもの、刹那であり永遠であるもの、消えゆくものでありながら恍惚とするほど美しいものが衝突し合う状態を表現したいのです。

私の作品は、大きく3つのシリーズに分類されます。

第一に、方眼紙に色鉛筆で描くドローイングです。
これは瞬間の感覚を素早く記録するために欠かせないものです。水平と垂直の直線が生み出す秩序の上に、自由に形を描いていきます。線に従うこともあれば、あえて外れることもあります。私は、その日一日の中で自分を鋭敏にさせた感覚を見つめます。水泳中に手に触れた水の感覚、抱きしめた時に感じたぬくもり、ふと感じる不安など、自らの存在を実感させた強い感覚を見つけ出し、記録します。それらの感覚に集中する瞬間、私は自分が生きていることを最も強く実感します。そこには多くの物語が凝縮され、簡略化され、記号化されるのです。

第二に、アクリル絵具によるペインティングです。
絵画はドローイングでは実現できなかった空間的な奥行きを生み出します。私はドローイングの時よりも長くキャンバスの前に留まり、その感覚が初めて芽生えた瞬間に立ち戻ります。二層の薄い綿布が伝える柔らかな触感と、幾重にも塗り重ねられた薄い絵具の層が、私を根源的な感覚へと近づけてくれます。

第三に、ノバン（Nobang）やオクサ（Oksa）といった半透明の布を裁断し、縫い合わせて形を作る布作品です。
布は鑑賞者に歩み寄り、その身体を包み込み、動きの流れを生み出します。その薄さは「存在しているが存在しない」「見えるが見えない」という状態を表現するのに適しています。布作品において、図像（アイコノグラフィ）はより明確な境界を持ち、針と糸によってその場所に繋ぎ止められます。

これら三つの手法は互いに補完し合い、有機的に機能しています。それらが向かう先は同一で、「生命の儚さを明らかにすること。それゆえに、より深く祝福されるべき瞬間を思い起こさせること」

展示を通じて、そのような瞬間を提示したいと考えています。

Suyeont《Angels》2025, acrylic on cotton, 112.1 x 145.5 cm

Collection

MMCA Art Bank（韓国）

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グループ展
2026
「grid5」　biscuit gallery / 東京
「クリエイティビティいろんなかたち」さいたま市プラザノース／埼玉
2025
「NEWS 2025」東京藝術大学／東京

2024
「第72回 東京藝術大学 修了作品展」東京藝術大学／東京
「東京藝大オープンアーカイブVIVA 2024」アトレ取手／茨城
「LURF ANNUAL EXHIBITION 2024 感覚と記憶の境界」LURF GALLERY ／東京
「Anonymous Drawings 2024」Kunstraum Kreuzberg ／Berlin
2022
「第70回 東京藝術大学 卒業作品展」東京都美術館／東京
2021
「東京藝術大学進級展」3331 ArtsChiyoda／東京

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無限空間である“間”を有限のものとして。

日本絵画における画面の構成は図と余白である“間”が重要視されるが、自身の作品では余白の間を光と捉え、画面の地、つまり“有限の間”をメインとしている。本来触れる事のなかった無限の間に光として白い地を与え、時間や湿度、季節などの機微を含み作者の肉感を得ることを狙いとした。ものとものの間隔、距離をキャンバス地のまま残すのではなく、白で描くことによって一見無限とも思える間は光に照らされ有限のものへと変容する。

光である地は図に影響を及ぼし、双方の関わりはより豊かさを増す、空間がものに調和する余韻を表現した。

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グループ展
2026
「grid5」　biscuit gallery / 東京
2025
ARTISTS’ FAIR KYOTO2025　京都新聞ビル / 京都
金沢卯辰山工芸工房研修者作品展　金沢21世紀美術館 / 金沢GO FOR KOGEI 金沢
センソリウム　泉涌寺 / 京都
2024
「生生」　Gallery O2 / 金沢
2022
長亭ギャラリー展　長亭GALLERY / 東京
KUMA EXHIBITION 2022　ANB Tokyo / 東京
SICF22 Winnwers Exhibition　スパイラルガーデン / 東京
2021
SICF22 EXHIBITION部門　スパイラルガーデン / 東京

Concept

生命は表面的には豊かなものとして語られますが、現実には生きていくための仕草や行為、あるいはその代償として、時に醜くグロテスクな姿で立ち現れることがあります。私の生命観は綺麗な部分だけでなく、腐敗や死といった一見対極にあるものの中にも「生」を感じ取ることにあります。吹きガラスのうねるような動きやモチーフとして取り入れる集合体は、ときに不気味に映るかもしれません。しかし、ガラス本来の輝きによってそれらは同時にシンプルな美しさも帯びます。私自身のネガティブな生命観も、ガラスというフィルターを通すことで別の印象へと変化し、最終的には「生命は豊かなものである」という感覚へと回帰すると考えています。

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春に冬を思い、秋に夏を思うような、過ぎていくことに情緒があって、私は日々のなかで、そのわずかな揺らぎや感覚に惹かれてきた。身の回りの事と思い出、多くの関係は揺れ合っていて、それらの出来事や感情が言葉になる前の瞬間を絵にしている。

私の作品は景色の中に人物が何度も登場するが、出来事や感情の説明をどことなく避けていて、物語がはっきりと描かれるわけではない。描かれなかった余白や不確かさを大切に思い、それらのわずかな身振りや構図の動きの中に物語は潜んでいる。そこにある風景や人の佇まいには、意識の外で移ろう季節や人間関係の憂い、そして静かな情緒が宿っている。輪郭が曖昧になり、絵の枠を越えて広がる情景は、描かれていない部分さえもが作品を捕捉して、世界が本来もっている不明瞭さを表そうとします。そうして作品を見た人が切なさを覚えたり、同時にどこか豊かになるような、そんな絵を描きたいです。

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抽象はより生々しい現実なのか。
絵画なのか滲み（にじみ）なのか。
ナカバヤシはスムースな支持体の上に、オートマティズムと素早いブラシストロークで森や川にも見える滲みのようなものを描く。

道に出ないようにと不自然にカットされた街路樹は誰もその声に耳を傾けてもらえなかった彼女に、庭園を流れる水は人から守られ暗闇を出ることのない彼に、一見すると風景画にも見える絵が生々しい人々のリアルとして表現されている。そこに描かれたものは、鑑賞者のバックグラウンドや世の中の課題によってたえず変化し、絵画の身体を経験させ他人の痛みを想像させる装置となり得る。

私は幼い頃から日本という国で女性として生きてきて、癒しがたい肉体の苦しみを感じてきた。
その傷を癒すための作業なのか、それとも今助けを求めている人に手を差し伸べるためなのか。

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現実社会を見れば、論理的に割り切れない事象や、簡単に解決することのできない問題に溢れています。しかし、それらの解決のための追求が、いつの間にか排他的なものへと反転し、新たな分断を生み出していることにも気づかされます。
私が制作という行為を続けることを選んだ根底には、それがそうした間（あわい）にとどまることであり、答えの出ない問いに向き合うことを許された場所であると感じたからなのかもしれません。
絵の具を薄く溶き、滲みや重力を利用して偶発的な複雑さを作ることができたとき、あるいは、たっぷりの絵の具同士をぶつけて引き延ばすことで生まれる色彩の美しさに、息を飲むことがあります。それは自然の美しさに抱く感覚にとても似ており、けれど同時に、偶然だけで出来上がる画面に対する不安のような感覚から、その画面を不透明色で覆い隠すという過程を経るようになりました。
それは、人が自然の美しさに同時に畏れを抱いたり、相反する合理性にも美しさを感じたりするという矛盾の相似なのだと思います。
そのような制作の変遷を経て、画面の中で偶然性を取り入れつつ、PCとプロジェクターを介入させることで、恣意性をある程度分断させるという手法に至りました。
自分の手仕事以外の要素を介入させることによって、偶然性を必然に反転させつつ、そのあわいの残像を同時にとどめようと試みたとき、ほんの少し、自分が生きている現代をそこに投影できたという感覚がありました。
そして、そもそもなぜ自分はそのような対称の融和を望んでいるのかという疑問から翻り、制作という極めて個人的で、ある意味排他的な営みが、社会を見つめる俯瞰的視点へと反転していることに気づかされました。
私にとって制作とは、社会の問題や、その中で生きる私自身の感情や葛藤に対して、肯定でも否定でもなく、しかし投げやりにもならず、向き合い続けるという態度なのだと思います。

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