This project showcases a collaboration between biscuit gallery and NISO, a gallery based in London. From biscuit gallery, we present Japanese artists active in Tokyo/London, and from NISO, we introduce international artists active in London/Europe, in a group exhibition format.
Below is an introduction to the artists in the order their works are displayed.
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Uchercie *window (1F) / 3F
Uchercie holds an MFA in Fine Art from Goldsmiths, University of London. He has published a personal photo collection titled “Unconsciously” and has exhibited at galleries worldwide, including Arles Photo Festival, Art Basel, Somerset House, and Saatchi Gallery.
Uchercie’s practice explores the intersection of cognitive structures, collective subjectivity, cybernetic feedback, and spirituality.
Through absurd narratives, his works cite accelerationist mythology while attempting counter and liberation. From a phenomenological perspective of perception, he queers future visions in the context of post-capitalist desire, questioning the challenges facing post-human progress.
Born in Tokyo in 1996
Graduated from Tokyo University of the Arts, Faculty of Fine Art, Department of Painting, Oil Painting Major in 2021
Completed Master’s Course at Tokyo University of the Arts, Graduate School of Fine Art, Oil Painting First Studio in 2023
Held her first overseas solo exhibition at NISO (London) in September 2024.
Sawako Nasu speaks of distance, connection, and relationships using painting as a language. When reflecting on her own practice, Nasu asks, “How can I touch paintings from the past?” At the foundation of her work lies a gaze directed toward the unbridgeable absolute distance that exists between the classical or modernist paintings she admires, their era, and herself living in the present. This sensibility gives thorough vision to Nasu’s art.
Nasu’s approach to engaging with the possibilities of painting—by contrasting the era of classical painting with her own contemporary era—transcends the scope of her personal interests. It demonstrates a contemporary consciousness of exploring what is possible at the cutting edge of art history, which is constantly being updated.
Born in 1996. Creates work primarily using various media including oil painting, printmaking, and three-dimensional works. Explores the existence and transformation of groups and individuals, deepening self-awareness. Reinterprets expression using geometric forms and gives form to society and emotion for reexamination. Currently based in London.
Creates works using various media including oil painting, printmaking/silkscreen, and three-dimensional pieces. Beginning from personal experience, he creates works that question perception regarding time, space, and invisible dimensions, from a perspective that overlooks the relationship between the collective and self in contemporary society, and the inorganic structure of cities.
In recent years, he has developed works that allude to the distortions and system collapse hidden beneath the beauty of advanced modern society. Works that evoke the structure and fragments of a near-future city perfectly controlled by artificially constructed systems and the end of the world are formed from minimal elements such as points, lines, and planes. Using geometric figures that have remained for long ages since ancient times, these works depict the balance of the “world” while also alluding to its fragility.
Born in England in 1986. Studied at Camberwell College of Arts, then spent two years in Florence researching Renaissance masters and their techniques. Creates works that tell stories to one another using charcoal, candle soot, wax, plaster, steel, and wood.
Guy Haddon-Grant’s monochromatic sculptures and drawings exist at the boundary between abstraction and representation. He skillfully manipulates texture, emphasizing this duality.
The abstract elements are organic forms with rough, granular texture, bearing the marks of the artist’s hand and brush. In contrast, the representational parts—suggestive of bodily motifs such as hands, faces, feet, eyes, and horns—are carefully polished, featuring soft, smooth curves.
As the viewer’s gaze follows the rhythmic contrast of these textures, the artist’s intention emerges. It guides the viewer toward fragments of realism glimpsed within the chaos of rough plaster.
Studied Fine Art and Critical Studies at Central Saint Martins and began her practice. In 2015, she obtained a postgraduate diploma in Fine Art from Goldsmiths College, and simultaneously worked as a curator for the government art collection. Since 2018, she has been fully dedicated to her artistic practice.
Like a conversation, Nicky Hodge’s iridescent paintings shimmer faintly before the viewer’s eyes, eventually dissolving and disappearing. Her works, created through repeated experimentation with a new technique of applying watercolor to supports of white cotton, possess an understated lightness infused with chance. The cotton fabric captures mist-like thin colors, affecting the palette even after drying, as she herself describes them as “small boxes of light.”
Jewel-like pinks, deep crimsons, and cobalt hues eventually dissolve into whispered pale tones, suggesting the fleeting afterimage of colors that appear when closing one’s eyes. Moreover, a medical undertone can be felt in the materials and techniques—the texture of gauze-like embedded fabric and colors bleeding from the frame’s edges evoke a healing body. Whether acrylic works on canvas or watercolor pieces on cotton, Hodge’s paintings hold no distinct form; rather, they gently preserve a moment, an emotion, or a sound that resonates deep within the heart.
Born in 1986. Primarily creates works using various media including oil painting, printmaking, and three-dimensional pieces. Explores the existence and changes of groups and individuals, deepening self-recognition. Offers reinterpretation by giving form to society and emotions.
Continues to create paintings with the theme of fiction and reality. The reality we ordinarily experience and the fiction we imagine and construct. By blurring the boundaries that seem to separate these two worlds, he questions viewers on “what is truly being seen.”
Born in Fukuoka in 2000
Graduated from Tama Art University, Department of Environmental Design, Architecture Major in 2022
Completed Fine Art at University of the Arts London in 2024
The vitality of our lives, existing hazily like snow beginning to fall. The endless pulsing heartbeat. Cherished places. Using the natural phenomenon of crystallization that changes over time and in three-dimensional form, information we wish not to disappear—like ice—is captured and time is frozen. Through sound wave vibrations of recorded heartbeats, rain, and wind, crystals change form, and their luminescence visualizes the invisible.
Born in Liverpool, England in 1991. Currently based in London. She holds a BA in Drawing from Camberwell College of Arts and an MA in Painting from Royal College of Art, where she was awarded the Basil H. Alkazi Scholarship.
“My work explores the theme of human embodiment. Through the physical act of painting, I examine both the body ‘as a body itself’ and the body ‘as the Other.’ What particularly interests me is the moment when we experience our own bodies as the ‘Other’—
that moment when we suddenly, inescapably, realize that our bodies are not something we own and control, but rather something we inhabit.
Bruises, swelling, redness—
sagging, puffiness, stretching.
Burning pinks and pulsing blues, dull greens and faded grays.
By becoming aware of the imperfections and limits of our own bodies, we confirm our position and consider what we can do in this world. The edge of the canvas is a symbol of such uncertainty. Beings without identifiable identity or gender are pressed into the frame, and ultimately, while bound by that frame, continue to exist there.
Within layers of brushstrokes laden with chance, the work develops while wavering between figuration and abstraction. What emerges is neither ally nor enemy. Like catching a glimpse of one’s reflection in a bathroom faucet, it straddles the boundary between familiarity and absurdity, joy and grotesqueness. It carries a precariousness, barely maintaining the edge of reality while seeming about to collapse.”
Born in Colombia in 1988.
Specialized in sculpture at the Academy of Fine Arts in Florence, then moved to Milan to obtain a second degree in Design and Applied Arts, driven by interest in materials and production techniques. Worked under Brian Clarke, receiving instruction in stained glass, ceramics, and architectural art.
Through semiotics, art history, traditional techniques, and creative practice, Brusatin explores visual language, attempting to blur arbitrary boundaries that divide art.
“If art is to survive in the collective consciousness of people, it must integrate craft, industry, and poetry. Art should not remain on the periphery; it must be part of nature and human architecture.”
His practice resonates deeply with the concept of Gesamtkunstwerk—”total art”—intuitively exploring the ecosystemic relationships that stained glass, mosaics, sculpture, and painting impart to spatial experience.
Mateo Revillo’s works draw inspiration from contemporary abstraction as well as ancient and Mediterranean civilizations, exploring mysterious and uncertain territories. His work traces a grand timeline from primitive frescoes to the deconstruction of minimalist rectangular formats, seeking to evoke a chaotic, immediate, and wild world.
The energy poured into the works is physical and organic, generating an archaeological language. His approach, positioned between painting and architecture, is an attempt not to confine images to mere surfaces, but to extend them into concrete space.
Born in Hyogo Prefecture in 1996. Studied Art & Design in London for 5 years at the Foundation course at Central Saint Martins, University of the Arts London, and the Graphic Design and Communication department at Chelsea College of Arts.
Ueda deeply respects order and beauty found in nature, life, and the universe, expressing this sense of awe in her work. By incorporating mathematical principles found in nature—such as the golden ratio, vortices, and fractal structures—into her work, she embodies the vitality of life and cosmic mystery, creating visual experiences that resonate on both intellectual and emotional levels through their visual impact.
Specifically, she abstracts organic curves and spiral-like structures found in plants and nature, incorporating them into character and creature designs to highlight the similarity between the natural world and human form. This is based on the concept of “self-similarity,” a core idea of fractals—that small parts of a system resemble the whole. In her works, character parts are shared with other characters, demonstrating mutual connections. As observers visually connect these lines, new organisms emerge, ultimately forming one large spiral structure as a whole, symbolizing that all things are interconnected. This reflects the fractal nature of life itself, where patterns repeat across all scales, from microscopic structures to the expanse of galaxies. Furthermore, her works capture the mathematical beauty lurking within chaotic and seemingly irregular shapes found in nature, such as spirals and tree branching. Though apparently irregular, these natural forms actually follow mathematical laws possessing order, and her work expresses this harmony and order. By incorporating these forms that are both chaotic and ordered, she appeals to the observer’s subconscious, evoking symbols of vitality, energy, and eros. Flowing curves and interwoven patterns suggest the fundamental processes of growth and connection, reflecting the mathematical principles governing organic life and the cosmos, thereby prompting viewers to strong spiritual and emotional responses.
Ultimately, her work not only celebrates nature but also invites engagement with the deep mathematical laws that support it. By fusing the visual aesthetics of fractals, spirals, and the golden ratio with symbols of vitality and energy, it provides a comprehensive perspective of the entire cosmos—that everything is interconnected and governed by the same principles of beauty and order.
Born in Pančevo, Serbia in 1994
Completed Master’s Course at the Department of Applied Painting, Faculty of Applied Arts, University of Arts Belgrade in 2018
Studied as a research student at Tokyo University of the Arts Oil Painting Graduate Program in 2021
Advanced to a second Master’s degree in 2023
My work explores the complex relationships between the female body, artificial intelligence, and historical representation in art. By employing AI image generation technology, I investigate how traditional depictions of women in classical painting transform, become unrecognizably distorted, and how intentionally pushing the boundaries of perception is possible.
The resulting images are deliberately naïve and unsettling, challenging conventional notions of beauty and identity. Through this method, I can confront the contingent symbolism and inherent biases embedded in historical artistic representations of women and in AI technology itself. Each distorted figure becomes a cipher, inviting viewers to question norms and expectations surrounding women’s depiction from art history to the present day.
Born in Orange, France in 1981. Currently based in London, England.
Grotesqueness is the central theme of Dordolo’s painting. By depicting figures and objects using distortion and exaggeration, he creates a sense of unease, transforming familiar everyday spaces into stages of psychological anxiety.
By skillfully manipulating spatial composition and ambiguous narrative, his works address themes of alienation, transformation, and the fragility of perception. This exploration is reflected in his handling of paint and material processes, often expressed through thick impasto where figural details emerge.
His compositions operate at an intimate, human scale, yet often suggest movement beyond the frame. This visual interplay reflects the duality that interests him—intimacy and alienation, beauty and anxiety, the known and the unknown.
1996년 도쿄 출생
2021년 도쿄게이주츠대학 미술학부 회화과 유화 전공 졸업
2023년 도쿄게이주츠대학 대학원 미술연구과 석사과정 유화 제1연구실 수료
2024년 9월 NISO(런던)에서 첫 해외 개인전 개최.
나수 사와코는 회화라는 언어를 사용하면서 거리, 연결, 관계에 대해 이야기하고 있습니다. “어떻게 하면 옛날 그림에 닿을 수 있을까”라고 나수는 자신의 제작에 대해 되돌아볼 때 말하지만, 그녀의 작품의 근저에는 본인이 존경하는 고전 또는 모더니즘 회화와 그 시대, 그리고 현대에 살고 있는 자신 사이에 놓여 있는 메울 수 없는 절대적 거리에 대한 시선이 있으며, 그 감각이야말로 나수의 예술에 철저한 비전을 부여하고 있습니다.
고전 회화의 시대와 그리고 현대인인 자신이 속한 시대를 대비시키면서 회화의 가능성에 임하는 나수의 자세는 그녀의 개인적인 관심의 범주를 넘어, 항상 갱신되어 가는 미술의 역사의 선단에서 무엇이 가능한가를 모색하는 오늘날의 의식이라고 할 수 있을 것입니다.
1996년생. 주로 유화, 판화, 입체 작품 등 다양한 매체를 사용하여 제작하고 있습니다. 집단과 개인의 존재와 그 변화를 탐구하고 자기 인식을 심화시키고 있습니다. 도형을 사용한 표현이나 사회, 감정 같은 것에도 형태를 부여하여 재해석을 진행합니다. 현재 런던을 거점으로 활동 중.
유화, 판화/실크스크린, 입체 작품 등 다양한 매체를 사용하여 제작 활동을 진행합니다. 자신의 실제 경험을 출발점으로 하여, 현대 사회에서 집단과 자아의 관계, 도시의 무기질한 구조를 조감하는 관점에서 시간, 공간, 눈에 보이지 않는 차원 같은 인지에 문제를 제기하는 작품을 제작하고 있습니다.
근년에는 발전을 이룬 근대 사회의 아름다움에 숨겨진 왜곡과 시스템의 붕괴를 시사하는 작품을 전개하고 있습니다. 인공적으로 구축된 시스템으로 완벽할 정도로 제어된 근미래 도시의 구조와 단편, 세계의 종말을 연상시키는 작품은 점·선·면이라는 최소한의 요소로 형성되며, 고대부터 오랫동안 남겨진 기하학 도형을 사용한 “세계”의 균형을 그려내는 동시에, 그 위태로움도 시사하는 작품이 되어 있습니다.
센트럴 세인트 마틴즈에서 파인아트와 비평학을 학습하고 제작을 시작. 2015년 골드스미스 칼리지에서 파인아트 대학원 디플로마를 취득했으며, 동시에 정부 미술 컬렉션의 큐레이터로도 일합니다. 2018년 이후 풀타임으로 제작 활동에 전념하고 있습니다.
마치 대화를 나누고 있는 것처럼 나란히 기대어 있는 니키 호지의 무지개빛으로 빛나는 회화는 눈앞에서 희미하게 흔들리다가 결국 녹아 사라집니다. 새로운 기법으로 흰 코튼을 펼쳐 놓은 지지체에 수채를 사용하는 실험을 거듭한 그녀의 작품은 우연성을 품은 가벼움을 가집니다. 코튼 천이 안개 같은 옅은 색상을 잡아내고, 그녀 자신이 “작은 빛의 상자”라고 표현하는 것처럼, 말라간 후의 색상에도 영향을 미칩니다.
보석 같은 핑크, 짙은 자주색, 코발트 색상은 결국 속삭이듯 옅은 톤으로 녹아 내려, 눈을 감았을 때 떠오르는 희미한 색상의 잔상을 연상시킵니다. 또한 그 소재와 기법에는 의료적 암시도 느껴지며, 직조된 붕대 같은 천의 질감이나 색상이 프레임의 끝에서 스며나오는 모습은 치유되어 가는 신체를 연상시킵니다. 아크릴을 사용한 캔버스 작품이든, 수채를 시낸 코튼 작품이든, 호지의 회화는 명확한 형태를 갖지 않으며, 오히려 어떤 순간이나 감정, 마음 깊숙한 곳에 울려 퍼지는 하나의 음을 살짝 담아두고 있습니다.
2000년 후쿠오카 출신
2022년 타마미술대학 환경디자인학과 건축 전공 졸업
2024년 University of the Arts London 파인아트학과 수료
옅은 눈처럼 희미하게 존재하는 우리의 생명력. 끊임없이 맥박하는 고동. 추억의 땅. 사라지기를 원하지 않는 정보를, 시간과 함께 입체와 변화하는 결정화의 자연 현상을 사용하여 얼음처럼 정보를 폐쇄하고 시간을 동결합니다. 기록된 심음이나 비, 바람의 음파 진동을 통해 결정은 형태를 바꾸고, 그들의 빛남은 불가시적인 것을 가시화합니다.
1991년 영국 리버풀 출생. 현재 런던을 거점으로 활동. 캠버웰 칼리지 오브 아트에서 드로잉 학사 학위(BA), 로열 칼리지 오브 아트에서 회화 석사 학위(MA)를 취득했으며, 동교에서 바질 H. 아르카지 장학금을 수상.
“제 작품은 인간의 신체성이라는 주제를 탐구하고 있습니다. 그림을 그린다는 신체적 행위를 통해, ‘신체 그 자체’로서의 신체, 그리고 ‘타자’로서의 신체 둘 다를 바라봅니다. 특히 제가 관심을 갖는 것은 자신의 신체 그 자체를 ‘타자’로서 경험하는 순간입니다.
그것은 우리가 갑자기 피할 수 없는 형태로 자신의 신체가 소유하고 지배할 수 있는 것이 아니며, 오히려 ‘살고 있는’ 것임을 깨닫는 때입니다.
멍, 부기, 붉음—
느슨해짐, 부음, 뻗음.
불타는 듯한 핑크나 맥동하는 파랑, 칙칙한 녹색이나 색이 바랜 회색.
우리는 자신의 신체의 불완전함과 한계를 의식함으로써 자신의 입지를 확인하고, 이 세상에서 무엇을 할 수 있는지를 생각하게 됩니다. 캔버스의 가장자리는 그러한 불확실성의 상징입니다. 식별 가능한 아이덴티티나 젠더를 갖지 않는 존재들은 화면의 프레임 안에 밀어 넣어지고, 최종적으로는 그 틀에 얽매이면서도 거기에 존속합니다.
우연성을 수반하는 필치의 축적 속에서 작품은 형상과 추상 사이를 흔들리면서 발전합니다. 거기에 생겨나는 것은 아군도 적군도 아닙니다. 마치 욕조의 수도꼭지에 비친 자신의 모습을 엿보는 것처럼, 익숙함과 불조리함, 기쁨과 그로테스크함의 경계에 걸쳐 있습니다. 그것은 현실성의 가장자리를 간신히 유지하면서 금방이라도 무너질 것 같은 위태로움을 품고 있습니다.”
마테오 레빌로의 작품은 현대의 추상 표현에 더해 고대 및 지중해 문명에서도 영감을 얻고 있으며, 신비로운 불확실한 영역을 탐구하고 있습니다. 그의 작품은 원시적인 프레스코 회화부터 미니멀리스트의 직사각형 포맷 해체에 이르기까지의 웅대한 시간축을 따르면서 혼돈스럽고 즉각적이고 야생적인 세계를 불러일으키려고 합니다.
작품에 쏟아지는 에너지는 육체적이면서 유기적이며 고고학적인 언어를 생성합니다. 회화와 건축 사이에 위치하는 그의 접근은 이미지를 단순한 표면의 것으로 머물게 하는 것이 아니라 구체적인 공간으로 확장하려는 시도이기도 합니다.
1996년 효고현 출생. 런던 예술 대학 센트럴 세인트 마틴즈의 파운데이션 과정, 첼시 칼리지 오브 아츠의 그래픽 디자인 앤 커뮤니케이션 학과에서 런던에서 5년간 아트 & 디자인을 학습.
우에다는 자연계, 생명, 우주에 있어서의 질서와 아름다움을 깊이 존경하고, 그 경외감을 작품에 표현하고 있습니다. 황금 비율이나 소용돌이(Vortex), 프랙탈 구조 등 자연 속에서 보이는 수학적 원리를 작품에 취입함으로써 생명력이나 우주의 신비를 구현하고, 그 시각적 임팩트에 의해 지적 및 감정적 수준에서 공명하는 시각 체험을 생성하고 있습니다.
구체적으로는 유기적인 식물이나 자연계에 보이는 곡선이나 소용돌이 같은 구조를 추상화하고, 그것을 캐릭터나 생물의 디자인에 조합하여, 자연계와 인간의 형태의 유사성을 부각시키고 있습니다. 이것은 “자기 유사성”의 개념에 기초하고 있으며, 프랙탈의 핵심 개념인 시스템의 작은 부분이 전체와 유사하다는 것입니다. 작품에서는 캐릭터의 부위가 다른 캐릭터와 공유되고 상호 연결을 보여줍니다. 관찰자가 시각적으로 이들 선을 이으면 새로운 생물이 떠오르고 결국 전체로서 하나의 큰 나선 구조를 형성하여 모든 것이 서로 연결되어 있음을 상징합니다. 이것은 생명 그 자체의 프랙탈적 성질을 반영하고 있으며, 미시적 구조에서 은하의 광대함에 이르기까지 모든 스케일에서 패턴이 반복됨을 보여줍니다. 더욱이 작품은 자연계에 보이는 카오스적이고 불규칙하게 보이는 형태, 예를 들어 소용돌이나 수목의 분기 등에 잠깐 있는 수학적 아름다움을 포착하고 있습니다. 이들 자연의 형태는 일견 불규칙해 보이지만, 실제로는 질서를 가지는 수학적 법칙을 따르고 있으며, 그 조화와 질서를 표현하고 있습니다. 이러한 카오스적이면서도 질서 있는 형태를 취입함으로써 관찰자의 무의식에 작용하고, 생명력이나 에너지, 에로스의 상징을 불러일으킵니다. 흐르는 듯한 곡선이나 엉킨 패턴은 성장이나 연결의 근본적 과정을 시사하고, 유기적 생명과 우주를 지배하는 수학적 원칙을 반영함으로써 관찰자에게 강한 정신적·감정적 반응을 촉발합니다.
최종적으로 이 작품은 자연계를 찬양할 뿐만 아니라 그것을 지탱하는 깊은 수학적 법칙에 대한 관여를 촉진합니다. 프랙탈, 나선, 황금 비율의 시각적 미학과 생명력이나 에너지의 상징을 융합함으로써 모든 것이 연결되고 동일한 미와 질서의 원칙에 의해 지배되고 있다는 우주 전체의 포괄적 관점을 제공합니다.
1994년 세르비아 판체보 출생
2018년 베오그라드 예술 대학 응용 미술 학부 응용 회화 학과 석사과정 수료
2021년 도쿄게이주츠대학 유화 연구과에 연구생으로 유학
2023년 2번째 석사과정에 진학
제 작품은 여성의 신체, 인공지능, 그리고 예술에 있어서의 역사적 표현 간의 복잡한 관계를 탐구하는 것입니다. AI의 이미지 생성 기술을 사용함으로써 고전 회화에 있어서의 전통적 여성의 묘사가 어떻게 변용되고 인식할 수 없을 정도로 왜곡되며 의도적으로 인식의 경계를 밀어 넓힐 수 있는지를 조사합니다.
결과 이미지는 의도적으로 소박하고 불온하게 되며 전통적 미와 아이덴티티 개념에 도전합니다. 이 방법으로 인해 역사적 여성의 예술적 표상이나 AI 기술 그 자체에 내장된 우발적 상징성이나 내재하는 편견과 마주할 수 있습니다. 각각의 왜곡된 모습은 암호가 되어 미술사에서 현대에 이르기까지 여성의 모습에 얽힌 규범과 기대에 의문을 제기하고 관찰자를 유인합니다.
biscuit gallery 
