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biscuit gallery×NISO collaborative exhibition “bridge” – 作家プロフィール

今企画ではロンドンに拠点を置くギャラリーNISOとコラボレーションし、biscuit galleryからは東京/ロンドンを拠点とし活躍する日本人作家を、NISOからはロンドン/ヨーロッパ圏を拠点とし活躍する海外作家を、グループ展形式で紹介します。

以下、作品展示順での作家紹介となります。

<1F>

Uchercie *window (1F) / 3F

ロンドン大学ゴールドスミス校でファインアートのMFA（修士号）を取得。個人写真集『Unconsciously』を出版し、アルル国際写真祭、アート・バーゼル、サマセット・ハウス、サーチギャラリーを含む世界各地のギャラリーでの展示歴を持つ。

ウチェルシエの実践は、認知の構造、集団的な主体性、サイバネティックなフィードバック、そしてスピリチュアリティの交差点を探求します。

不条理な物語を通じて、彼の作品は加速主義的な神話を引用しながら、対抗と解放を試みます。知覚の現象学的な視点から、ポスト資本主義的欲望の文脈における未来像をクィア化し、ポストヒューマン的進歩が直面する課題を問いかけていきます。

那須佐和子 | Sawako Nasu *Window (1F) / 2F

1996年東京都生まれ
2021年東京藝術大学美術学部絵画科油画専攻　卒業
2023年東京藝術大学大学院美術研究科修士課程油画第一研究室　修了
2024年9月にNISO (ロンドン)にて初の海外個展開催。

那須佐和子は絵画という言語を用いながら距離、つながり、関係について語っています。「どのようにしたら昔の絵に触れるのか」と、那須は自らの制作について振り返るときに口にしますが、彼女の作品の根底には、本人が慕うところの古典あるいはモダニズム絵画やその時代と現代にいる自分自身の間に横たわっている、埋めようがない絶対的な距離に対するまなざしがあり、その感覚こそが那須の芸術に徹底したビジョンを与えています。

古典絵画の時代と、そして現代人である自らが属する時代を対比させながら絵画の可能性に取り組む那須の姿勢は、彼女のパーソナルな関心の範疇を超え、常に更新され続ける美術の歴史の突端において何が可能かを模索する、今日的な意識があると言えるでしょう。

酒井建治 | Kenji Sakai *1F / 3F

1996年生まれ。主に油絵や版画、立体作品など様々なメディアを用いて制作を行っている。集団や個人の存在とその変化について探求し自己認識を深めている。図形を用いた表現や、社会や感情といったものにも形を与えて再解釈を行う。現在、ロンドンを拠点に活動中。

油絵、版画/シルクスクリーン、立体作品など、様々なメディアを用いて制作活動を行う。自身の実体験を起点とし、現代社会における集団と自己の関係、都市の無機質な構造を俯瞰する視点から、時間や空間、目に見えない次元といった認知に問いかける作品を制作している。

近年は、発展を遂げた近代社会の美しさに隠された歪みとシステムの崩壊を示唆する作品を展開。人工的に構築されたシステムにより完璧なまでに制御された近未来都市の構造と断片、世界の終末を想起させる作品は、点・線・面といった最小限の要素によって形成され、古代から長きに渡って残されてきた幾何学図形を用いた「世界」の均衡を描き出すとともに、その危うさをも示唆する作品となっています。

Guy Haddon-Grant

1986年イギリス生まれ。カンバーウェル・カレッジ・オブ・アートで学び、その後2年間フィレンツェでルネサンス期の巨匠たちとその技法を研究。木炭、キャンドルの煤、蝋、プラスター、鋼、木材を使用し、互いに物語を語り合う作品を制作している。

ガイ・ハドン・グラントのモノクロの彫刻とドローイングは、抽象と具象の境界に位置しています。彼は巧みにテクスチャを操り、この二重性を強調します。

抽象的な要素は、荒々しく粒状の質感を持つ有機的な形態であり、そこには作家の手や筆の跡が刻まれています。一方で、手、顔、足、目、角といった身体的なモチーフを想起させる具象的な部分は、丁寧に磨き上げられ、柔らかく滑らかな曲面を備えています。

鑑賞者の視線が、これらの質感のリズミカルな対比をたどるにつれ、作家の意図が浮かび上がります。荒々しい石膏の混沌の中に垣間見えるリアリズムの断片へと、鑑賞者を導いていくのです。

Nicky Hodge

セントラル・セント・マーチンズでファインアートと批評学を学び、制作を開始。2015年にはゴールドスミス・カレッジでファインアートの大学院ディプロマを取得し、同時に政府芸術コレクションのキュレーターとしても仕事をする。2018年以降、フルタイムで制作活動に専念している。

まるで会話を交わしているかのように寄り添いながら、ニッキー・ホッジの虹色に輝く絵画は、目の前で淡く揺らめき、やがて溶けるように消えていきます。新たな技法として、白いコットンを張った支持体に水彩を用いる実験を重ねた彼女の作品は、偶然性をはらんだ軽やかさを持ちます。コットンの布地が霧のような薄い色彩を捉え、彼女自身が「小さな灯りの箱」と形容するように、乾いた後の色彩にも影響を与えます。

宝石のようなピンク、深紅、コバルトの色彩は、やがて囁くように淡いトーンへと溶け込み、目を閉じたときに浮かぶ儚い色の残像を思わせます。また、その素材や技法には医療的な暗示も感じられ、織り込まれた包帯のような布の質感や、色彩がフレームの端から滲み出す様子は、癒えゆく身体を想起させます。アクリルを用いたキャンバス作品であれ、水彩を施したコットン作品であれ、ホッジの絵画は明確な形を持たず、むしろある瞬間や感情、心の奥底に響く一つの音をそっと留めているのです。

鈴木秀尚 | Hidetaka Suzuki

1986年　北海道生まれ
2014年　武蔵野美術大学大学院造形研究科修士課程美術専攻油絵コース修了
近年は、アメリカ、イギリスなど海外にも活動の幅を広げている。

虚構と現実をテーマに絵画を制作を続ける。普段私たちが経験する現実、そして想像し作り上げる虚構。２世界を隔てているように見せる境界線をぼやけさせ、観者に「真に見えているものとは何か」を問いかける。

<2F>

田中嵐 | Arashi Tanaka

2000年福岡出身
2022年多摩美術大学環境デザイン学科建築専攻卒業
2024年 University of the Arts London ファインアート学科修了

淡雪のように朧に存在する私たちの生命力。絶え間なく脈打つ鼓動。思い出の地。消えてほしくない情報を、時と共に立体と変化していく結晶化の自然現象を用いて、氷のように情報を閉じ込め、時を凍結する。記録した心音や雨、風の音波振動を通じて結晶は形状を変え、それらの輝きは不可視であるモノを可視化する。

C. Lucy R. Whitehead

1991年英国リバプール生まれ。現在、ロンドンを拠点として活動。カンバーウェル・カレッジ・オブ・アートでドローイングの学士号（BA）、ロイヤル・カレッジ・オブ・アートでペインティングの修士号（MA）を取得し、同校でバジル・H・アルカジ奨学金を受賞。

「私の作品は、人間の身体性というテーマを探求しています。絵を描くという身体的な行為を通じて、「身体そのもの」としての身体、そして「他者」としての身体の両方を見つめます。特に、私が関心を寄せるのは、自らの身体そのものを「他者」として経験する瞬間です。
それは、私たちが突然、逃れようのない形で、自分の身体が所有し、支配できるものではなく、むしろ「住まう」ものであることに気づく時。
青あざ、むくみ、赤らみ──
たるみ、腫れ、伸び。
燃えるようなピンクや脈打つ青、くすんだ緑や色褪せた灰色。
私たちは、自らの身体の不完全さや限界を意識することで、自分の立ち位置を確認し、この世界で何ができるのかを考えるようになります。キャンバスの縁は、そうした不確実性の象徴です。識別可能なアイデンティティやジェンダーを持たない存在たちは、画面の枠内に押し込まれ、最終的には、その枠に縛られながらも、そこに存在し続けます。

偶然性を伴う筆致の積み重ねの中で、作品は形象と抽象の間を揺れ動きながら発展していきます。そこに生まれるものは、味方でも敵でもない。まるで浴槽の蛇口に映る自分の姿を垣間見るように、馴染み深さと不条理さ、歓びとグロテスクさの境界にまたがっています。それは、現実性の縁をかろうじて保ちながら、今にも崩れそうな危うさを孕んでいるのです。」

Daniel Brusatin

1988年コロンビア生まれ。
フィレンツェの美術アカデミーで彫刻を専門に学び、素材や制作技法への興味から、デザインと応用美術の第2学位を取得するためミラノへ移動。ブライアン・クラークのもとで働き、ステンドグラス、陶芸、建築芸術指導を受ける。

記号論、美術史、伝統技法、そして創作行為を通じて視覚言語を探求するブルサティンは、芸術を分断する恣意的な境界線を曖昧にしようと試みます。

「もし芸術が人々の集合的な意識の中で生き残るのであれば、クラフト、産業、詩を統合しなければならない。芸術は周縁にとどまるものではなく、自然や人間の建築の一部でなければならない。」

総合芸術（Gesamtkunstwerk）──すなわち「全体芸術」の概念に深く共鳴する彼の実践は、ステンドグラス、モザイク、彫刻、絵画が空間の体験に与える生態系的な関係を直感的に探求するものです。

Mateo Revillo

1993年スペイン生まれ。現在はパリを拠点に活動中。

マテオ・レヴィロの作品は、現代の抽象表現に加え、古代や地中海文明からも着想を得ており、謎めいた不確かな領域を探求しています。彼の作品は、原始的なフレスコ画から、ミニマリストによる矩形フォーマットの解体に至るまでの壮大な時間軸をたどりながら、混沌とした、即時的で野生的な世界を呼び起こそうとします。

作品に注ぎ込まれるエネルギーは、肉体的かつ有機的で、考古学的な言語を生み出します。絵画と建築の間に位置する彼のアプローチは、イメージを単なる表面のものとしてとどめるのではなく、具象の空間へと拡張しようとする試みでもあります。

<3F>

上田真央香 | Maoka Ueda

1996年兵庫県生まれ。ロンドン芸術大学セントラル・セント・マーチンズの Foundation course、チェルシー・カレッジ・オブ・アーツの Graphic Design and Communication 学科にて、5 年間ロンドンでアート & デザインを学ぶ。

Uedaは、自然界や生命、宇宙における秩序と美しさを深く尊敬し、その畏怖の念を作品に表現しています。黄金比やヴォルテックス（渦）、フラクタル構造など、自然の中に見られる数学的な原理を作品に取り入れることで、生命力や宇宙の神秘を具現化し、その視覚的なインパクトによって、知的および感情的なレベルで共鳴する視覚体験を生み出しています。

具体的には、有機的な植物や自然界に見られる曲線や渦巻きのような構造を抽象化し、それをキャラクターや生き物のデザインに組み込み、自然界と人間の形態の相似性を際立たせています。これは「自己相似性」の概念に基づいており、フラクタルの核心的な考え方である、システムの小さな部分が全体と似ているというものです。作品では、キャラクターのパーツが他のキャラクターと共有され、相互に繋がりを示しています。観察者が視覚的にそれらの線を繋げることによって、新たな生物が浮かび上がり、最終的に全体として一つの大きな螺旋構造を形成し、すべてのものが互いに繋がっていることを象徴しています。これは、生命そのもののフラクタル的な性質を反映しており、微視的な構造から銀河の広がりに至るまで、あらゆるスケールでパターンが繰り返されることを示しています。さらに、作品は自然界に見られるカオス的で不規則に見える形状、たとえば渦巻きや樹木の分岐などに潜む数学的な美しさを捉えています。これらの自然の形状は一見不規則ですが、実際には秩序を持つ数学的な法則に従っており、その調和と秩序を表現しています。こうしたカオス的でありながら秩序だった形を取り入れることで、観察者の無意識に働きかけ、生命力やエネルギー、エロスの象徴を引き起こします。流れるような曲線や絡み合ったパターンは、成長や繋がりの根本的な過程を示唆し、有機的な生命と宇宙を支配する数学的原則を反映することで観る者に強い精神的・感情的な反応を促すのです。

最終的に、この作品は自然界を讃えるだけでなく、それを支える深い数学的法則に対する関与を促します。フラクタル、螺旋、黄金比の視覚的美学と生命力やエネルギーの象徴を融合させることによって、すべてが繋がり、同じ美と秩序の原則によって支配されているという宇宙全体の包括的な視点を提供します。

Lea Embeli

1994年セルビア、パンチェヴォ生まれ
2018年ベオグラード藝術大学応用芸術学部応用絵画学科修士課程修了
2021年東京藝術大学油画研究科に研究生として留学
2023年 2 度目の修士課程に進学

私の作品は、女性の身体、人工知能、そして芸術における歴史的表現との複雑な関係を探求するものである。AIの画像生成技術を用いることで、古典絵画における伝統的な女性の描写がどのように変容し、認識できないほど歪められ、意図的に認識の境界を押し広げることができるかを調査する。

出来上がったイメージは意図的に素朴で不穏なものとなり、従来の美とアイデンティティの概念に挑戦する。この方法により、歴史的な女性の芸術的表象やAI技術そのものに埋め込まれた偶発的な象徴性や内在する偏見と向き合うことができる。各々の歪んだ姿は暗号となり、美術史から現代に至るまでの女性の姿にまつわる規範や期待に疑問を投げかけ、鑑賞者を誘う。

Jean-Philippe Dordolo

1981年フランス・オレンジ生まれ。現在、イギリス・ロンドンを拠点に活動。

ドルドロの絵画はグロテスクを中心的なテーマとしています。彼は、歪みや誇張を用いて人物や物体を描くことで、違和感を生み出し、親しみのある日常空間を心理的な不安の舞台へと変容させます。

空間操作や曖昧な物語性を巧みに操ることで、作品は疎外感、変容、そして知覚の脆さといったテーマに迫ります。この探求は、彼の絵具の扱いやマテリアルのプロセスにも反映されており、しばしば厚塗りのインパストによって具象的なディテールが表現されます。

彼の構図は親密で人間的なスケールで成り立っていますが、しばしば画面の枠を超えた動きを感じさせます。この視覚的な相互作用は、彼が関心を寄せる二元性──親密さと疎外、美と不安、既知と未知──を映し出しているのです。

開催概要

biscuit gallery×NISO コラボレーション展

「bridge」

会場：biscuit gallery 1〜3階
会期：2025年1月30日(木)〜2月16日(日)
時間：13：00〜19：00　※月〜水休
入場：無料
主催：biscuit gallery
協力：NISO

参加作家：
<biscuit gallery>
上田真央香、Lea Embeli、酒井建治、鈴木秀尚、田中嵐、那須佐和子
<NISO>
Daniel Brusatin、Jean-Philippe Dordolo、Guy Haddon-Grant、Nicky Hodge、Mateo Revillo、Uchercie、C. Lucy R. Whitehead

WEB：https://biscuitgallery.com/bridge/

This project showcases a collaboration between biscuit gallery and NISO, a gallery based in London. From biscuit gallery, we present Japanese artists active in Tokyo/London, and from NISO, we introduce international artists active in London/Europe, in a group exhibition format.

Below is an introduction to the artists in the order their works are displayed.

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Uchercie *window (1F) / 3F

Uchercie holds an MFA in Fine Art from Goldsmiths, University of London. He has published a personal photo collection titled “Unconsciously” and has exhibited at galleries worldwide, including Arles Photo Festival, Art Basel, Somerset House, and Saatchi Gallery.

Uchercie’s practice explores the intersection of cognitive structures, collective subjectivity, cybernetic feedback, and spirituality.

Through absurd narratives, his works cite accelerationist mythology while attempting counter and liberation. From a phenomenological perspective of perception, he queers future visions in the context of post-capitalist desire, questioning the challenges facing post-human progress.

Sawako Nasu *Window (1F) / 2F

Born in Tokyo in 1996
Graduated from Tokyo University of the Arts, Faculty of Fine Art, Department of Painting, Oil Painting Major in 2021
Completed Master’s Course at Tokyo University of the Arts, Graduate School of Fine Art, Oil Painting First Studio in 2023
Held her first overseas solo exhibition at NISO (London) in September 2024.

Sawako Nasu speaks of distance, connection, and relationships using painting as a language. When reflecting on her own practice, Nasu asks, “How can I touch paintings from the past?” At the foundation of her work lies a gaze directed toward the unbridgeable absolute distance that exists between the classical or modernist paintings she admires, their era, and herself living in the present. This sensibility gives thorough vision to Nasu’s art.

Nasu’s approach to engaging with the possibilities of painting—by contrasting the era of classical painting with her own contemporary era—transcends the scope of her personal interests. It demonstrates a contemporary consciousness of exploring what is possible at the cutting edge of art history, which is constantly being updated.

Kenji Sakai *1F / 3F

Born in 1996. Creates work primarily using various media including oil painting, printmaking, and three-dimensional works. Explores the existence and transformation of groups and individuals, deepening self-awareness. Reinterprets expression using geometric forms and gives form to society and emotion for reexamination. Currently based in London.

Creates works using various media including oil painting, printmaking/silkscreen, and three-dimensional pieces. Beginning from personal experience, he creates works that question perception regarding time, space, and invisible dimensions, from a perspective that overlooks the relationship between the collective and self in contemporary society, and the inorganic structure of cities.

In recent years, he has developed works that allude to the distortions and system collapse hidden beneath the beauty of advanced modern society. Works that evoke the structure and fragments of a near-future city perfectly controlled by artificially constructed systems and the end of the world are formed from minimal elements such as points, lines, and planes. Using geometric figures that have remained for long ages since ancient times, these works depict the balance of the “world” while also alluding to its fragility.

Guy Haddon-Grant

Born in England in 1986. Studied at Camberwell College of Arts, then spent two years in Florence researching Renaissance masters and their techniques. Creates works that tell stories to one another using charcoal, candle soot, wax, plaster, steel, and wood.

Guy Haddon-Grant’s monochromatic sculptures and drawings exist at the boundary between abstraction and representation. He skillfully manipulates texture, emphasizing this duality.

The abstract elements are organic forms with rough, granular texture, bearing the marks of the artist’s hand and brush. In contrast, the representational parts—suggestive of bodily motifs such as hands, faces, feet, eyes, and horns—are carefully polished, featuring soft, smooth curves.

As the viewer’s gaze follows the rhythmic contrast of these textures, the artist’s intention emerges. It guides the viewer toward fragments of realism glimpsed within the chaos of rough plaster.

Nicky Hodge

Studied Fine Art and Critical Studies at Central Saint Martins and began her practice. In 2015, she obtained a postgraduate diploma in Fine Art from Goldsmiths College, and simultaneously worked as a curator for the government art collection. Since 2018, she has been fully dedicated to her artistic practice.

Like a conversation, Nicky Hodge’s iridescent paintings shimmer faintly before the viewer’s eyes, eventually dissolving and disappearing. Her works, created through repeated experimentation with a new technique of applying watercolor to supports of white cotton, possess an understated lightness infused with chance. The cotton fabric captures mist-like thin colors, affecting the palette even after drying, as she herself describes them as “small boxes of light.”

Jewel-like pinks, deep crimsons, and cobalt hues eventually dissolve into whispered pale tones, suggesting the fleeting afterimage of colors that appear when closing one’s eyes. Moreover, a medical undertone can be felt in the materials and techniques—the texture of gauze-like embedded fabric and colors bleeding from the frame’s edges evoke a healing body. Whether acrylic works on canvas or watercolor pieces on cotton, Hodge’s paintings hold no distinct form; rather, they gently preserve a moment, an emotion, or a sound that resonates deep within the heart.

Hidetaka Suzuki

Born in 1986. Primarily creates works using various media including oil painting, printmaking, and three-dimensional pieces. Explores the existence and changes of groups and individuals, deepening self-recognition. Offers reinterpretation by giving form to society and emotions.

Continues to create paintings with the theme of fiction and reality. The reality we ordinarily experience and the fiction we imagine and construct. By blurring the boundaries that seem to separate these two worlds, he questions viewers on “what is truly being seen.”

<2F>

Arashi Tanaka

Born in Fukuoka in 2000
Graduated from Tama Art University, Department of Environmental Design, Architecture Major in 2022
Completed Fine Art at University of the Arts London in 2024

The vitality of our lives, existing hazily like snow beginning to fall. The endless pulsing heartbeat. Cherished places. Using the natural phenomenon of crystallization that changes over time and in three-dimensional form, information we wish not to disappear—like ice—is captured and time is frozen. Through sound wave vibrations of recorded heartbeats, rain, and wind, crystals change form, and their luminescence visualizes the invisible.

C. Lucy R. Whitehead

Born in Liverpool, England in 1991. Currently based in London. She holds a BA in Drawing from Camberwell College of Arts and an MA in Painting from Royal College of Art, where she was awarded the Basil H. Alkazi Scholarship.

“My work explores the theme of human embodiment. Through the physical act of painting, I examine both the body ‘as a body itself’ and the body ‘as the Other.’ What particularly interests me is the moment when we experience our own bodies as the ‘Other’—
that moment when we suddenly, inescapably, realize that our bodies are not something we own and control, but rather something we inhabit.
Bruises, swelling, redness—
sagging, puffiness, stretching.
Burning pinks and pulsing blues, dull greens and faded grays.
By becoming aware of the imperfections and limits of our own bodies, we confirm our position and consider what we can do in this world. The edge of the canvas is a symbol of such uncertainty. Beings without identifiable identity or gender are pressed into the frame, and ultimately, while bound by that frame, continue to exist there.

Within layers of brushstrokes laden with chance, the work develops while wavering between figuration and abstraction. What emerges is neither ally nor enemy. Like catching a glimpse of one’s reflection in a bathroom faucet, it straddles the boundary between familiarity and absurdity, joy and grotesqueness. It carries a precariousness, barely maintaining the edge of reality while seeming about to collapse.”

Daniel Brusatin

Born in Colombia in 1988.
Specialized in sculpture at the Academy of Fine Arts in Florence, then moved to Milan to obtain a second degree in Design and Applied Arts, driven by interest in materials and production techniques. Worked under Brian Clarke, receiving instruction in stained glass, ceramics, and architectural art.

Through semiotics, art history, traditional techniques, and creative practice, Brusatin explores visual language, attempting to blur arbitrary boundaries that divide art.

“If art is to survive in the collective consciousness of people, it must integrate craft, industry, and poetry. Art should not remain on the periphery; it must be part of nature and human architecture.”

His practice resonates deeply with the concept of Gesamtkunstwerk—”total art”—intuitively exploring the ecosystemic relationships that stained glass, mosaics, sculpture, and painting impart to spatial experience.

Mateo Revillo

Born in Spain in 1993. Currently based in Paris.

Mateo Revillo’s works draw inspiration from contemporary abstraction as well as ancient and Mediterranean civilizations, exploring mysterious and uncertain territories. His work traces a grand timeline from primitive frescoes to the deconstruction of minimalist rectangular formats, seeking to evoke a chaotic, immediate, and wild world.

The energy poured into the works is physical and organic, generating an archaeological language. His approach, positioned between painting and architecture, is an attempt not to confine images to mere surfaces, but to extend them into concrete space.

<3F>

Maoka Ueda

Born in Hyogo Prefecture in 1996. Studied Art & Design in London for 5 years at the Foundation course at Central Saint Martins, University of the Arts London, and the Graphic Design and Communication department at Chelsea College of Arts.

Ueda deeply respects order and beauty found in nature, life, and the universe, expressing this sense of awe in her work. By incorporating mathematical principles found in nature—such as the golden ratio, vortices, and fractal structures—into her work, she embodies the vitality of life and cosmic mystery, creating visual experiences that resonate on both intellectual and emotional levels through their visual impact.

Specifically, she abstracts organic curves and spiral-like structures found in plants and nature, incorporating them into character and creature designs to highlight the similarity between the natural world and human form. This is based on the concept of “self-similarity,” a core idea of fractals—that small parts of a system resemble the whole. In her works, character parts are shared with other characters, demonstrating mutual connections. As observers visually connect these lines, new organisms emerge, ultimately forming one large spiral structure as a whole, symbolizing that all things are interconnected. This reflects the fractal nature of life itself, where patterns repeat across all scales, from microscopic structures to the expanse of galaxies. Furthermore, her works capture the mathematical beauty lurking within chaotic and seemingly irregular shapes found in nature, such as spirals and tree branching. Though apparently irregular, these natural forms actually follow mathematical laws possessing order, and her work expresses this harmony and order. By incorporating these forms that are both chaotic and ordered, she appeals to the observer’s subconscious, evoking symbols of vitality, energy, and eros. Flowing curves and interwoven patterns suggest the fundamental processes of growth and connection, reflecting the mathematical principles governing organic life and the cosmos, thereby prompting viewers to strong spiritual and emotional responses.

Ultimately, her work not only celebrates nature but also invites engagement with the deep mathematical laws that support it. By fusing the visual aesthetics of fractals, spirals, and the golden ratio with symbols of vitality and energy, it provides a comprehensive perspective of the entire cosmos—that everything is interconnected and governed by the same principles of beauty and order.

Lea Embeli

Born in Pančevo, Serbia in 1994
Completed Master’s Course at the Department of Applied Painting, Faculty of Applied Arts, University of Arts Belgrade in 2018
Studied as a research student at Tokyo University of the Arts Oil Painting Graduate Program in 2021
Advanced to a second Master’s degree in 2023

My work explores the complex relationships between the female body, artificial intelligence, and historical representation in art. By employing AI image generation technology, I investigate how traditional depictions of women in classical painting transform, become unrecognizably distorted, and how intentionally pushing the boundaries of perception is possible.

The resulting images are deliberately naïve and unsettling, challenging conventional notions of beauty and identity. Through this method, I can confront the contingent symbolism and inherent biases embedded in historical artistic representations of women and in AI technology itself. Each distorted figure becomes a cipher, inviting viewers to question norms and expectations surrounding women’s depiction from art history to the present day.

Jean-Philippe Dordolo

Born in Orange, France in 1981. Currently based in London, England.

Grotesqueness is the central theme of Dordolo’s painting. By depicting figures and objects using distortion and exaggeration, he creates a sense of unease, transforming familiar everyday spaces into stages of psychological anxiety.

By skillfully manipulating spatial composition and ambiguous narrative, his works address themes of alienation, transformation, and the fragility of perception. This exploration is reflected in his handling of paint and material processes, often expressed through thick impasto where figural details emerge.

His compositions operate at an intimate, human scale, yet often suggest movement beyond the frame. This visual interplay reflects the duality that interests him—intimacy and alienation, beauty and anxiety, the known and the unknown.

Exhibition Overview

biscuit gallery × NISO Collaboration Exhibition

“bridge”

Venue: biscuit gallery 1F-3F
Period: January 30 (Thursday) – February 16 (Sunday), 2025
Hours: 13:00–19:00 *Closed Monday–Wednesday
Admission: Free
Organized by: biscuit gallery
Cooperation: NISO

Participating Artists:
<biscuit gallery>
Maoka Ueda, Lea Embeli, Kenji Sakai, Hidetaka Suzuki, Arashi Tanaka, Sawako Nasu
<NISO>
Daniel Brusatin, Jean-Philippe Dordolo, Guy Haddon-Grant, Nicky Hodge, Mateo Revillo, Uchercie, C. Lucy R. Whitehead

WEB: https://biscuitgallery.com/bridge/

⚡ AI Translation

현재 기획에서는 런던에 거점을 둔 갤러리 NISO와 콜래보레이션하여, biscuit gallery에서는 도쿄/런던을 거점으로 활동하는 일본인 작가를, NISO에서는 런던/유럽권을 거점으로 활동하는 해외 작가를 그룹전 형식으로 소개합니다.

이하는 작품 전시 순서대로의 작가 소개입니다.

<1F>

Uchercie *window (1F) / 3F

런던대학 골드스미스 칼리지에서 파인아트 석사 학위를 취득. 개인 사진집 『Unconsciously』를 출판했으며, 아를 국제 사진제, 아트 바젤, 서머셋 하우스, 서치 갤러리를 포함한 세계 각지의 갤러리에서 전시한 경력을 보유하고 있습니다.

우체르시에의 실천은 인지의 구조, 집단적 주체성, 사이버네틱 피드백, 그리고 영성의 교차점을 탐구합니다.

부조리한 서사를 통해, 그의 작품은 가속주의적 신화를 인용하면서 저항과 해방을 시도합니다. 지각의 현상학적 관점에서 포스트 자본주의적 욕망의 맥락에서 미래상을 퀴어화하고, 포스트휴먼적 진보가 직면한 과제에 문제를 제기합니다.

那須佐和子 | Sawako Nasu *Window (1F) / 2F

1996년 도쿄 출생
2021년 도쿄게이주츠대학 미술학부 회화과 유화 전공 졸업
2023년 도쿄게이주츠대학 대학원 미술연구과 석사과정 유화 제1연구실 수료
2024년 9월 NISO(런던)에서 첫 해외 개인전 개최.

나수 사와코는 회화라는 언어를 사용하면서 거리, 연결, 관계에 대해 이야기하고 있습니다. “어떻게 하면 옛날 그림에 닿을 수 있을까”라고 나수는 자신의 제작에 대해 되돌아볼 때 말하지만, 그녀의 작품의 근저에는 본인이 존경하는 고전 또는 모더니즘 회화와 그 시대, 그리고 현대에 살고 있는 자신 사이에 놓여 있는 메울 수 없는 절대적 거리에 대한 시선이 있으며, 그 감각이야말로 나수의 예술에 철저한 비전을 부여하고 있습니다.

고전 회화의 시대와 그리고 현대인인 자신이 속한 시대를 대비시키면서 회화의 가능성에 임하는 나수의 자세는 그녀의 개인적인 관심의 범주를 넘어, 항상 갱신되어 가는 미술의 역사의 선단에서 무엇이 가능한가를 모색하는 오늘날의 의식이라고 할 수 있을 것입니다.

酒井建治 | Kenji Sakai *1F / 3F

1996년생. 주로 유화, 판화, 입체 작품 등 다양한 매체를 사용하여 제작하고 있습니다. 집단과 개인의 존재와 그 변화를 탐구하고 자기 인식을 심화시키고 있습니다. 도형을 사용한 표현이나 사회, 감정 같은 것에도 형태를 부여하여 재해석을 진행합니다. 현재 런던을 거점으로 활동 중.

유화, 판화/실크스크린, 입체 작품 등 다양한 매체를 사용하여 제작 활동을 진행합니다. 자신의 실제 경험을 출발점으로 하여, 현대 사회에서 집단과 자아의 관계, 도시의 무기질한 구조를 조감하는 관점에서 시간, 공간, 눈에 보이지 않는 차원 같은 인지에 문제를 제기하는 작품을 제작하고 있습니다.

근년에는 발전을 이룬 근대 사회의 아름다움에 숨겨진 왜곡과 시스템의 붕괴를 시사하는 작품을 전개하고 있습니다. 인공적으로 구축된 시스템으로 완벽할 정도로 제어된 근미래 도시의 구조와 단편, 세계의 종말을 연상시키는 작품은 점·선·면이라는 최소한의 요소로 형성되며, 고대부터 오랫동안 남겨진 기하학 도형을 사용한 “세계”의 균형을 그려내는 동시에, 그 위태로움도 시사하는 작품이 되어 있습니다.

Guy Haddon-Grant

1986년 영국생. 캠버웰 칼리지 오브 아트에서 학습한 후, 2년간 피렌체에서 르네상스 시대 거장들과 그들의 기법을 연구. 목탄, 양초의 그을음, 밀랍, 석고, 강철, 목재를 사용하여 서로 이야기를 나누는 작품을 제작하고 있습니다.

가이 해든 그란트의 흑백 조각과 드로잉은 추상과 구상의 경계에 위치하고 있습니다. 그는 능숙하게 텍스처를 조작하며 이 이중성을 강조합니다.

추상적 요소는 거칠고 입자 같은 질감을 가진 유기적 형태이며, 여기에는 작가의 손이나 붓의 흔적이 새겨져 있습니다. 한편 손, 얼굴, 발, 눈, 뿔 같은 신체적 모티프를 연상시키는 구상적 부분은 정성스럽게 연마되어 부드럽고 매끄러운 곡면을 갖추고 있습니다.

관찰자의 시선이 이 질감의 리듬감 있는 대비를 따라가면서 작가의 의도가 떠오릅니다. 거칠은 석고의 혼란 속에서 엿보이는 리얼리즘의 단편으로 관찰자를 이끌어가는 것입니다.

Nicky Hodge

센트럴 세인트 마틴즈에서 파인아트와 비평학을 학습하고 제작을 시작. 2015년 골드스미스 칼리지에서 파인아트 대학원 디플로마를 취득했으며, 동시에 정부 미술 컬렉션의 큐레이터로도 일합니다. 2018년 이후 풀타임으로 제작 활동에 전념하고 있습니다.

마치 대화를 나누고 있는 것처럼 나란히 기대어 있는 니키 호지의 무지개빛으로 빛나는 회화는 눈앞에서 희미하게 흔들리다가 결국 녹아 사라집니다. 새로운 기법으로 흰 코튼을 펼쳐 놓은 지지체에 수채를 사용하는 실험을 거듭한 그녀의 작품은 우연성을 품은 가벼움을 가집니다. 코튼 천이 안개 같은 옅은 색상을 잡아내고, 그녀 자신이 “작은 빛의 상자”라고 표현하는 것처럼, 말라간 후의 색상에도 영향을 미칩니다.

보석 같은 핑크, 짙은 자주색, 코발트 색상은 결국 속삭이듯 옅은 톤으로 녹아 내려, 눈을 감았을 때 떠오르는 희미한 색상의 잔상을 연상시킵니다. 또한 그 소재와 기법에는 의료적 암시도 느껴지며, 직조된 붕대 같은 천의 질감이나 색상이 프레임의 끝에서 스며나오는 모습은 치유되어 가는 신체를 연상시킵니다. 아크릴을 사용한 캔버스 작품이든, 수채를 시낸 코튼 작품이든, 호지의 회화는 명확한 형태를 갖지 않으며, 오히려 어떤 순간이나 감정, 마음 깊숙한 곳에 울려 퍼지는 하나의 음을 살짝 담아두고 있습니다.

鈴木秀尚 | Hidetaka Suzuki

1986년 홋카이도 출생
2014년 무사시노미술대학 대학원 조형연구과 석사과정 미술 전공 유화 코스 수료
근년에는 미국, 영국 등 해외에도 활동의 폭을 넓히고 있습니다.

허구와 현실을 주제로 회화 제작을 계속하고 있습니다. 평소 우리가 경험하는 현실, 그리고 상상하고 만들어 올리는 허구. 2개의 세계를 가르는 것처럼 보이는 경계선을 흐릿하게 만들고, 관찰자에게 “참으로 보이는 것이란 무엇인가”를 문제 제기합니다.

<2F>

田中嵐 | Arashi Tanaka

2000년 후쿠오카 출신
2022년 타마미술대학 환경디자인학과 건축 전공 졸업
2024년 University of the Arts London 파인아트학과 수료

옅은 눈처럼 희미하게 존재하는 우리의 생명력. 끊임없이 맥박하는 고동. 추억의 땅. 사라지기를 원하지 않는 정보를, 시간과 함께 입체와 변화하는 결정화의 자연 현상을 사용하여 얼음처럼 정보를 폐쇄하고 시간을 동결합니다. 기록된 심음이나 비, 바람의 음파 진동을 통해 결정은 형태를 바꾸고, 그들의 빛남은 불가시적인 것을 가시화합니다.

C. Lucy R. Whitehead

1991년 영국 리버풀 출생. 현재 런던을 거점으로 활동. 캠버웰 칼리지 오브 아트에서 드로잉 학사 학위(BA), 로열 칼리지 오브 아트에서 회화 석사 학위(MA)를 취득했으며, 동교에서 바질 H. 아르카지 장학금을 수상.

“제 작품은 인간의 신체성이라는 주제를 탐구하고 있습니다. 그림을 그린다는 신체적 행위를 통해, ‘신체 그 자체’로서의 신체, 그리고 ‘타자’로서의 신체 둘 다를 바라봅니다. 특히 제가 관심을 갖는 것은 자신의 신체 그 자체를 ‘타자’로서 경험하는 순간입니다.
그것은 우리가 갑자기 피할 수 없는 형태로 자신의 신체가 소유하고 지배할 수 있는 것이 아니며, 오히려 ‘살고 있는’ 것임을 깨닫는 때입니다.
멍, 부기, 붉음—
느슨해짐, 부음, 뻗음.
불타는 듯한 핑크나 맥동하는 파랑, 칙칙한 녹색이나 색이 바랜 회색.
우리는 자신의 신체의 불완전함과 한계를 의식함으로써 자신의 입지를 확인하고, 이 세상에서 무엇을 할 수 있는지를 생각하게 됩니다. 캔버스의 가장자리는 그러한 불확실성의 상징입니다. 식별 가능한 아이덴티티나 젠더를 갖지 않는 존재들은 화면의 프레임 안에 밀어 넣어지고, 최종적으로는 그 틀에 얽매이면서도 거기에 존속합니다.

우연성을 수반하는 필치의 축적 속에서 작품은 형상과 추상 사이를 흔들리면서 발전합니다. 거기에 생겨나는 것은 아군도 적군도 아닙니다. 마치 욕조의 수도꼭지에 비친 자신의 모습을 엿보는 것처럼, 익숙함과 불조리함, 기쁨과 그로테스크함의 경계에 걸쳐 있습니다. 그것은 현실성의 가장자리를 간신히 유지하면서 금방이라도 무너질 것 같은 위태로움을 품고 있습니다.”

Daniel Brusatin

1988년 콜롬비아 출생.
피렌체의 미술 아카데미에서 조각을 전문으로 학습했으며, 소재와 제작 기법에 대한 관심에서 디자인과 응용 미술의 2학위를 취득하기 위해 밀라노로 이동. 브라이언 클라크 아래에서 일하며 스테인드글라스, 도자기, 건축 미술 지도를 받습니다.

기호론, 미술사, 전통 기법, 그리고 창작 행위를 통해 시각 언어를 탐구하는 브루사틴은 예술을 분단하는 자의적인 경계선을 모호하게 하려고 시도합니다.

“만약 예술이 사람들의 집합적 의식 속에서 생존한다면, 수공예, 산업, 시를 통합해야 합니다. 예술은 주변부에 머물러야 하는 것이 아니라 자연이나 인간의 건축의 일부여야 합니다.”

종합 예술(Gesamtkunstwerk)──즉 “총체 예술”의 개념에 깊이 공명하는 그의 실천은 스테인드글라스, 모자이크, 조각, 회화가 공간의 경험에 부여하는 생태계적 관계를 직관적으로 탐구하는 것입니다.

Mateo Revillo

1993년 스페인 출생. 현재 파리를 거점으로 활동 중.

마테오 레빌로의 작품은 현대의 추상 표현에 더해 고대 및 지중해 문명에서도 영감을 얻고 있으며, 신비로운 불확실한 영역을 탐구하고 있습니다. 그의 작품은 원시적인 프레스코 회화부터 미니멀리스트의 직사각형 포맷 해체에 이르기까지의 웅대한 시간축을 따르면서 혼돈스럽고 즉각적이고 야생적인 세계를 불러일으키려고 합니다.

작품에 쏟아지는 에너지는 육체적이면서 유기적이며 고고학적인 언어를 생성합니다. 회화와 건축 사이에 위치하는 그의 접근은 이미지를 단순한 표면의 것으로 머물게 하는 것이 아니라 구체적인 공간으로 확장하려는 시도이기도 합니다.

<3F>

上田真央香 | Maoka Ueda

1996년 효고현 출생. 런던 예술 대학 센트럴 세인트 마틴즈의 파운데이션 과정, 첼시 칼리지 오브 아츠의 그래픽 디자인 앤 커뮤니케이션 학과에서 런던에서 5년간 아트 & 디자인을 학습.

우에다는 자연계, 생명, 우주에 있어서의 질서와 아름다움을 깊이 존경하고, 그 경외감을 작품에 표현하고 있습니다. 황금 비율이나 소용돌이(Vortex), 프랙탈 구조 등 자연 속에서 보이는 수학적 원리를 작품에 취입함으로써 생명력이나 우주의 신비를 구현하고, 그 시각적 임팩트에 의해 지적 및 감정적 수준에서 공명하는 시각 체험을 생성하고 있습니다.

구체적으로는 유기적인 식물이나 자연계에 보이는 곡선이나 소용돌이 같은 구조를 추상화하고, 그것을 캐릭터나 생물의 디자인에 조합하여, 자연계와 인간의 형태의 유사성을 부각시키고 있습니다. 이것은 “자기 유사성”의 개념에 기초하고 있으며, 프랙탈의 핵심 개념인 시스템의 작은 부분이 전체와 유사하다는 것입니다. 작품에서는 캐릭터의 부위가 다른 캐릭터와 공유되고 상호 연결을 보여줍니다. 관찰자가 시각적으로 이들 선을 이으면 새로운 생물이 떠오르고 결국 전체로서 하나의 큰 나선 구조를 형성하여 모든 것이 서로 연결되어 있음을 상징합니다. 이것은 생명 그 자체의 프랙탈적 성질을 반영하고 있으며, 미시적 구조에서 은하의 광대함에 이르기까지 모든 스케일에서 패턴이 반복됨을 보여줍니다. 더욱이 작품은 자연계에 보이는 카오스적이고 불규칙하게 보이는 형태, 예를 들어 소용돌이나 수목의 분기 등에 잠깐 있는 수학적 아름다움을 포착하고 있습니다. 이들 자연의 형태는 일견 불규칙해 보이지만, 실제로는 질서를 가지는 수학적 법칙을 따르고 있으며, 그 조화와 질서를 표현하고 있습니다. 이러한 카오스적이면서도 질서 있는 형태를 취입함으로써 관찰자의 무의식에 작용하고, 생명력이나 에너지, 에로스의 상징을 불러일으킵니다. 흐르는 듯한 곡선이나 엉킨 패턴은 성장이나 연결의 근본적 과정을 시사하고, 유기적 생명과 우주를 지배하는 수학적 원칙을 반영함으로써 관찰자에게 강한 정신적·감정적 반응을 촉발합니다.

최종적으로 이 작품은 자연계를 찬양할 뿐만 아니라 그것을 지탱하는 깊은 수학적 법칙에 대한 관여를 촉진합니다. 프랙탈, 나선, 황금 비율의 시각적 미학과 생명력이나 에너지의 상징을 융합함으로써 모든 것이 연결되고 동일한 미와 질서의 원칙에 의해 지배되고 있다는 우주 전체의 포괄적 관점을 제공합니다.

Lea Embeli

1994년 세르비아 판체보 출생
2018년 베오그라드 예술 대학 응용 미술 학부 응용 회화 학과 석사과정 수료
2021년 도쿄게이주츠대학 유화 연구과에 연구생으로 유학
2023년 2번째 석사과정에 진학

제 작품은 여성의 신체, 인공지능, 그리고 예술에 있어서의 역사적 표현 간의 복잡한 관계를 탐구하는 것입니다. AI의 이미지 생성 기술을 사용함으로써 고전 회화에 있어서의 전통적 여성의 묘사가 어떻게 변용되고 인식할 수 없을 정도로 왜곡되며 의도적으로 인식의 경계를 밀어 넓힐 수 있는지를 조사합니다.

결과 이미지는 의도적으로 소박하고 불온하게 되며 전통적 미와 아이덴티티 개념에 도전합니다. 이 방법으로 인해 역사적 여성의 예술적 표상이나 AI 기술 그 자체에 내장된 우발적 상징성이나 내재하는 편견과 마주할 수 있습니다. 각각의 왜곡된 모습은 암호가 되어 미술사에서 현대에 이르기까지 여성의 모습에 얽힌 규범과 기대에 의문을 제기하고 관찰자를 유인합니다.

Jean-Philippe Dordolo

1981년 프랑스 오랑주 출생. 현재 영국 런던을 거점으로 활동.

도르돌로의 회화는 그로테스크를 중심적 주제로 하고 있습니다. 그는 왜곡이나 과장을 사용하여 인물이나 물체를 그림으로써 위화감을 만들어내고, 친숙한 일상 공간을 심리적 불안의 무대로 변용합니다.

공간 조작이나 모호한 서사성을 능숙

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本企划与伦敦画廊NISO进行合作，biscuit gallery将呈现活跃于东京/伦敦的日本艺术家，NISO将呈现活跃于伦敦/欧洲地区的海外艺术家，采取群展形式介绍。

以下为展示顺序的艺术家介绍。

<1F>

Uchercie *window (1F) / 3F

获得伦敦大学金匠学院美术硕士（MFA）学位。出版了个人摄影集《Unconsciously》，在包括阿尔勒国际摄影节、艺术巴塞尔、萨默塞特宫、萨奇美术馆等全球各地画廊有过展览经历。

Uchercie的实践探索认知结构、集体主体性、控制论反馈以及精神性的交叉点。

通过荒诞的叙事，他的作品引用加速主义神话，尝试对抗与解放。从知觉的现象学视角出发，在后资本主义欲望的语境中将未来的愿景进行酷儿化，并质疑后人文主义进步所面临的课题。

那須佐和子 | Sawako Nasu *Window (1F) / 2F

1996年东京都出生
2021年毕业于东京艺术大学美术学部绘画科油画专业
2023年完成东京艺术大学研究生院美术研究科硕士课程油画第一研究室
2024年9月在NISO（伦敦）举办首次海外个展。

那須佐和子用绘画这一语言讲述距离、连接与关系。在谈及自己的创作时，那須常说”怎样才能触碰到过去的绘画”，她作品的根基在于对古典或现代主义绘画及其时代与自己所处当代之间横亘的不可消弭的绝对距离的凝视，这种感觉赋予了那須的艺术以彻底的视野。

那須以古典绘画时代与自身作为当代人所属的时代进行对比，探索绘画的可能性的态度可以说超越了她个人关切的范畴，体现了在不断更新的美术史前沿模索当下何为可能的当代意识。

酒井建治 | Kenji Sakai *1F / 3F

1996年出生。主要使用油画、版画、立体作品等各种媒介进行创作。探索集团和个人的存在及其变化，深化自我认识。运用几何形态进行表现，也对社会和情感等事物赋予形态进行再解释。目前以伦敦为据点开展活动。

使用油画、版画/丝网印刷、立体作品等各种媒介进行创作活动。以自身的实际经验为起点，从集团与自我的关系、俯瞰都市无机结构的视角出发，创作探讨当代社会中的时间、空间、不可见维度等认知的作品。

近年来，展开揭示发达现代社会之美所隐藏的扭曲与系统崩溃的作品。由人工构建的系统完美控制的近未来都市的结构与碎片、令人联想到世界末日的作品由点、线、面等最小元素构成，运用自古以来流传至今的几何图形描绘”世界”的均衡，同时也暗示了其危殆性。

Guy Haddon-Grant

1986年英国出生。在坎伯韦尔艺术学院学习，之后在佛罗伦萨花两年时间研究文艺复兴时期的大师及其技法。使用木炭、蜡烛的烟灰、蜡、石膏、钢铁、木材创作相互叙述故事的作品。

Guy Haddon-Grant的黑白雕塑与素描位于抽象与具象的边界。他巧妙地操纵纹理，强调这种二元性。

抽象元素是粗糙粒状质感的有机形态，其中铭刻着艺术家的手和笔的痕迹。另一方面，让人联想到手、脸、脚、眼睛、角等身体动机的具象部分经过细致打磨，具有柔软光滑的曲面。

当观者的视线追踪这些质感的节奏对比时，艺术家的意图浮现出来。将观者引向粗糙石膏混沌中闪现的现实主义碎片。

Nicky Hodge

在中央圣马丁艺术学院学习美术和批评学，开始创作。2015年获得金匠学院美术研究生文凭，同时担任政府艺术收藏策展人。自2018年起全身心投入创作。

Nicky Hodge彩虹般闪闪发光的绘画彼此靠近，仿佛在交谈，目光前闪烁淡淡的色彩，最终如溶解般消失。她在白棉布支撑体上用水彩进行了新的技法实验，作品具有包含偶然性的轻盈感。棉布捕捉雾般稀薄的色彩，正如她自己所说的”小灯箱”，也影响干燥后的色彩。

宝石般的粉红、深红、钴蓝色彩最终如低语般溶入淡淡的色调，令人想起闭眼时浮现的短暂色彩残像。同时，其材料和技法也传达了医疗暗示，织入的绷带般布料质感以及色彩从画框边缘渗出的样子，令人联想起愈合的身体。无论是使用丙烯酸的画布作品还是水彩棉布作品，Hodge的绘画都不具有明确的形态，而是轻轻地留住某个瞬间或情感，以及心底响起的一个音符。

鈴木秀尚 | Hidetaka Suzuki

1986年　北海道出生
2014年　完成武藏野美术大学研究生院造形研究科硕士课程美术专业油画课程
近年来将活动范围拓展到美国、英国等海外。

以虚构与现实为主题继续进行绘画创作。我们日常经历的现实，以及想象并创造的虚构。模糊似乎隔离这两个世界的边界线，向观者质疑”真正看到的是什么”。

<2F>

田中嵐 | Arashi Tanaka

2000年福冈出身
2022年多摩美术大学环境设计学科建筑专业毕业
2024年伦敦艺术大学美术学科毕业

如淡雪般模糊存在的我们的生命力。不断跳动的心鼓。回忆之地。将不想消失的信息通过随时间推移而变化的立体和结晶化的自然现象，如同冰一样封存信息，冻结时间。通过记录的心音、雨声、风声的音波振动，晶体改变形状，它们的闪耀将不可见之物可视化。

C. Lucy R. Whitehead

1991年英国利物浦出生。目前以伦敦为据点开展活动。在坎伯韦尔艺术学院获得素描学士学位（BA），在皇家艺术学院获得绘画硕士学位（MA），并获得该校巴西尔·H·阿卡迪奖学金。

“我的作品探索人类身体性这一主题。通过绘画这一身体行为，我审视身体本身”和作为”他者”的身体两者。特别是，我关注的是自身身体作为”他者”而被经历的时刻。
那是我们突然以无法逃脱的方式意识到，自己的身体不是可以拥有和支配的东西，而是”栖居”之物的时刻。
瘀伤、浮肿、潮红──
下垂、肿胀、拉伸。
燃烧般的粉红和脉动的蓝，沉闷的绿和褪色的灰。
我们通过意识到自身身体的不完美和局限，确认自己的立足点，思考在这个世界上能做什么。画布的边缘是这种不确定性的象征。没有可识别的身份或性别的存在们被挤进画面框内，最终被框架束缚，仍然存在其中。

在偶然性伴随的笔触堆积中，作品在形象与抽象之间摇摆发展。由此产生的东西既不是盟友也不是敌人。就像在浴缸水龙头中瞥见自己的身影一样，它跨越了熟悉与荒诞、欢喜与怪诞的边界。它保持着现实性的边缘，同时蕴含着即将崩塌的危险。”

Daniel Brusatin

1988年哥伦比亚出生。
在佛罗伦萨美术学院专门学习雕塑，出于对材料和制作技法的兴趣，前往米兰获得设计和应用美术第二学位。在Brian Clark门下工作，接受彩色玻璃、陶艺、建筑艺术指导。

Brusatin通过符号学、美术史、传统技法以及创意行为探索视觉语言，试图模糊分割艺术的武断边界。

“如果艺术要在人们的集体意识中生存，就必须整合工艺、工业和诗歌。艺术不应该停留在边缘，而应该成为自然和人类建筑的一部分。”

他的实践深刻共鸣于总艺术（Gesamtkunstwerk）的概念，直觉地探索彩色玻璃、镶嵌、雕塑、绘画对空间体验产生的生态系统关系。

Mateo Revillo

1993年西班牙出生。目前以巴黎为据点开展活动。

Mateo Revillo的作品除了当代抽象表现外，还从古代和地中海文明中汲取灵感，探索神秘而不确定的领域。他的作品沿着从原始壁画到极简主义对矩形格式的解构这一宏大时间轴进行创作，试图唤起混沌、即时与野性的世界。

注入作品中的能量是肉体的、有机的，产生了考古学语言。他介于绘画与建筑之间的方法不仅停留于图像的表面，而是寻求向具象空间扩展。

<3F>

上田真央香 | Maoka Ueda

1996年兵库县出生。在伦敦艺术大学中央圣马丁艺术学院基础课程、切尔西艺术学院平面设计与传播学科学习了5年的艺术与设计。

Ueda深深尊敬自然界、生命和宇宙中的秩序与美，并在作品中表达这种敬畏之心。通过将黄金比例、涡流、分形结构等自然界中的数学原理融入作品，具现化生命力和宇宙的神秘，通过其视觉冲击在知识和情感层面产生共鸣的视觉体验。

具体来说，她将有机植物和自然界中出现的曲线和螺旋形结构进行抽象化，将其融入角色和生物的设计中，突出自然界与人类形态的相似性。这基于”自相似性”的概念，是分形的核心思想，即系统的小部分与整体相似。在作品中，角色的各个部分被其他角色共享，显示相互的连接。通过观察者在视觉上连接这些线条，新的生物浮现，最终作为整体形成一个巨大的螺旋结构，象征一切事物彼此相连。这反映了生命本身的分形特性，从微观结构到银河系的广阔范围，模式在所有尺度上重复。此外，作品捕捉了自然界中看似混沌不规则的形状（如螺旋和树木分支）中隐藏的数学美。这些自然形状乍看不规则，但实际上遵循有序的数学法则，表达了其和谐与秩序。通过采纳这些混沌而有序的形式，对观察者的无意识产生影响，引发生命力、能量和欲望的象征。流畅的曲线和缠绕的图案暗示成长和连接的基本过程，通过反映有机生命和宇宙的数学原则，对观者产生强烈的精神和情感反应。

最终，这部作品不仅赞颂自然界，而且促进对支撑它的深层数学法则的参与。通过融合分形、螺旋、黄金比例的视觉美学与生命力和能量的象征，提供了一个宇宙整体的包容性观点，即一切相连，并由相同的美与秩序原则所统治。

Lea Embeli

1994年塞尔维亚潘切沃出生
2018年贝尔格莱德艺术大学应用艺术学院应用绘画学科硕士课程毕业
2021年作为研究生赴东京艺术大学油画研究科留学
2023年进入第二个硕士课程

我的作品探索女性身体、人工智能与艺术中历史表现的复杂关系。通过使用AI图像生成技术，调查古典绘画中传统的女性描写如何被改变、扭曲得无法识别，以及如何有意地扩展认知的界限。

生成的图像有意显得朴素而不安，挑战传统的美与身份认同概念。通过这种方法，可以面对历史上女性艺术表现和AI技术本身中嵌入的偶然象征性和潜在偏见。每个扭曲的形态成为密码，质疑贯穿美术史至当代的女性形象的规范和期待，邀请观者思考。

Jean-Philippe Dordolo

1981年法国橙郡出生。目前以英国伦敦为据点开展活动。

Dordolo的绘画以怪诞为中心主题。他通过使用扭曲和夸张来描绘人物和物体，创造违和感，将熟悉的日常空间转变为心理不安的舞台。

通过巧妙地操纵空间和模糊的叙事性，作品涉及疏离感、转变和知觉脆弱性等主题。这种探索也反映在他的颜料处理和材料过程中，通常通过厚重的肌理表现具象细节。

他的构图在亲密的人性尺度上进行，但往往暗示超越画面框架的动力。这种视觉相互作用反映了他关注的二元性——亲密与疏离、美与焦虑、已知与未知。

展览概要

biscuit gallery×NISO 合作展

“bridge”

会场：biscuit gallery 1〜3楼
展期：2025年1月30日(周四)〜2月16日(周日)
时间：13：00〜19：00　※周一〜周三休
入场：免费
主办：biscuit gallery
协力：NISO

参展艺术家：
<biscuit gallery>
上田真央香、Lea Embeli、酒井建治、鈴木秀尚、田中嵐、那須佐和子
<NISO>
Daniel Brusatin、Jean-Philippe Dordolo、Guy Haddon-Grant、Nicky Hodge、Mateo Revillo、Uchercie、C. Lucy R. Whitehead

WEB：https://biscuitgallery.com/bridge/

⚡ AI Translation

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