再2

渋⾕区松涛⽂化ストリートに構える現代アートのコマーシャルギャラリーbiscuit gallery（渋⾕区松濤）では、2023年10月8日より、2021年に第1回目を開催した展覧会「re」の第2回目となる「re2」を開催いたします。

オープニングパーティーを、初日の2023年10月8日(日) 16時より予定しております（featuring Yuki’s kichen）。作家2名も参加予定です。

この度biscuit galleryでは2023年10月8日から10月28日の会期にて粂原愛と髙橋健太による展示「re vol.2」を開催致します前回の「re」に引き続き、本展示では西欧編纂型の現代美術と日本美術が交差する今日の私たちの美術的な土壌を捉え直し、改めて考える場を鑑賞者と共有する意図を下敷きに、今日のアートシーンの一部の摘録となることを目指します。

展覧会タイトル「re」は「再び」「反対」などの語意を形成するプリフィックであり、その語義的な理由から「re」とは何かしら元となる、あるいは対峙する「何か」を伴います。同時に、その「向き合う何か」は本展示における大きな主題の一つであり、本展示の目的は外来種としての現代美術の形式をそれとは異なった美術形式が既にあったこの国がそれを受容したことを前提として、その今日に結果として在るアートシーンの一部の表現を改めて考察すること、またその二種の因子をいずれとも廃さずに私たちにとっての《現代美術》の様相と可能性を見つめ直すことにあります。

とはいえ、誤解を招かないために言えば、この展示に参加する粂原も髙橋も(広い意味での現代日本という時代区分を共有してはいるものの)それぞれに表現の志向は異なったアーティストであり、企画の趣旨は二人の表現上の共通項を類推させる機会の提供ではありません。異なった志向性を持った二人が共有する土壌に考えを巡らすこと、そして交雑した因子を持ったその土壌の上に居る二人の美術家の優れた仕事を紹介すること、企画の要旨はこの二つに尽きます。そして二人の招聘にあたり、今回の「re」では「手前と奥」というライトモチーフを導入しました。前者は2000年代以降における日本絵画の表現形式について、後者は日本絵画における余白の存在や不在の表現についての言い換えであり、この構造を通じて、つまり「目に見えているもの」と「目には(直接には)映らないもの」の二つの観測地点から私たちの美術について思考する機会を築けたらと思います。

では「奥」とは何か。「奥」とは、眼前には無いが、予感によって感知できる領域であり、或いはその感性そのものとここでは定義づけています。暗がりに何かを感じて怯える心、言外に匂わされるニュアンス、若しくは他者の頭の中の世界。このことを考えるため、平安中期の歌人・藤原公任が『和歌九品』で語った「餘りの心」、後代になっては鴨長明が『無名抄』で語られた「余情」という言葉を展示上の頼りとしました。形として現れていないが、現れていないだけで、そこに在る/居るような予感がすること。今回の「re」では、これまで建具を用いて意図的に画面に遮りの効果を与え、顕現されない存在を示唆させる粂原愛の絵画とともに、この点を考えたいと思います。粂原は一つの絵画に「視えている箇所-視えない箇所」の二重性を生み出し、つまり不在を通して存在を予感させ、想像させる画面を鑑賞者に提示します。その「目の前には無いが予感はすること」こそが、本展示で考えたい「奥」の手触りであり、その不確かな触覚を述べる詩的言語が、私たちが背負う美術史には多く見受けられるように思えるのです。

一方の髙橋健太は、本人の言葉を借りるならば「残ってしまったもの」として日本絵画を捉え、明治や戦後の文化的な改造と変質を踏まえ、固有の歴史観をベースに今日の日本絵画のコンテクストを捉え、実践しているペインターです。彼の絵画には、デジタイズされた今日の私たちにとっての生活のリアリティ、近代都市の生活者のモダリティにめぐらせた考察を、彼の考える日本絵画固有の線描法、技材に由来する粒子的なテクスチャを取り入れながら、90年代の日本に生まれた世代感覚を織り混ぜながら描いたものが多く、言わば日本的な図像感覚と絵画技法に向き合い、それらを現代絵画に持ち込もうと企図するかのようです。「たまたま生まれた場所にあった美術史が、少なくとも西欧的なそれには整合性がつきにくかった。といって絶望はしたくない。ポジティブに捉える道を考えたい」と話す彼は、複雑な因子の絡み合った美術史を要素分解し、時に矛盾するかに見えるそれら一つ一つの因子を無視するのではなく、むしろそれらが共生した土壌をスタート地点とします、本展示において髙橋に頼ったのは「手前」、つまり日本絵画のフォルマリズムの考察パートですが、それは彼が堅持するようなやり方でこそ、そしてその言葉を借りるならば「残ってしまったもの」を見極めるところから始まるようにも思えます。

奥岡新蔵

アーティストプロフィール

粂原 愛 | Ai Kumehara
1989年　埼玉県出身
2015年　摩美術大学大学院日本画研究領域　修了

透過度の高い絵の具で下図を制作した後、画面全体に薄い和紙を貼り岩絵の具で彩色する手法を用いる。一度画面を半透明にリセットすることによって、色彩や形の境界を曖昧にし、描かれているものを抽象化させる。2019 – 2020年前半までは自然保護区、コロニヘーヴなど人為的に自然が作られた場所に滞在し取材を行っていたが、コロナウイルスによるロックダウンによって人々がいなくなった滞在先に突然出現した動物と対峙した経験から、動物を「何かを示唆するもの」として画面上に描く。

詳細プロフィールはこちら

髙橋 健太 | Kenta Takahashi
1997年　愛知県出身
2021年　東京藝術大学絵画科日本画専攻卒業
2023年　東京藝術大学大学院美術研究科版画専攻所属

biscuit gallery, a contemporary art commercial gallery located on Shibuya Ward Shoto Culture Street (Shibuya Ward Shoto), will hold “re2,” the second edition of the exhibition “re” which was first held in 2021, from October 8, 2023.

An opening party is scheduled for October 8, 2023 (Sunday) at 4:00 PM on the opening day (featuring Yuki’s kichen). Two artists are also expected to participate.

This time, biscuit gallery will hold an exhibition “re vol.2” by Ai Kumehara and Kenta Takahashi from October 8 to October 28, 2023. Continuing from the previous “re,” this exhibition aims to reconsider the artistic soil of today where Western-edited contemporary art and Japanese art intersect, and intends to be a partial excerpt of today’s art scene, sharing with viewers a space to think anew.

The exhibition title “re” is a prefix that forms meanings such as “again” and “opposite,” and for this linguistic reason, “re” is accompanied by something that serves as its origin or confrontation. At the same time, this “something to confront” is one of the major themes in this exhibition, and the purpose of this exhibition is to reconsider some of the expressions in the art scene that exist today as a result, premised on the fact that this country, which already had art forms different from that of contemporary art as a foreign species, accepted it. It also aims to examine anew the aspects and possibilities of “contemporary art” for us without discarding either of these two factors.

That said, to avoid misunderstanding, both Kumehara and Takahashi who participate in this exhibition are artists with different orientations in expression (though they share a broad definition of the era of contemporary Japan), and the purpose of the project is not to provide an opportunity to infer common ground in their expressions. The idea is to think about the soil that two people with different orientive intentions share, and to introduce the excellent work of two art practitioners who stand on that soil with hybridized factors. In inviting the two artists, we introduced a leitmotif of “foreground and background” in this “re.” The former is a rephrasing of the expressive form of Japanese painting since the 2000s, and the latter is a rephrasing of the expression of the existence or absence of negative space in Japanese painting. Through this structure, that is, from two observation points of “what is visible” and “what does not (directly) appear to the eye,” I would like to create an opportunity to think about our art.

So what is “background”? “Background” is defined here as a region that is not before the eyes but can be sensed through premonition, or the sensibility itself. A sense of fear at sensing something in the darkness, a nuance suggested between the lines, or the world in another person’s mind. To think about this, we have relied on the word “余りの心” (heart of surplus) spoken by the Heian middle-period poet Fujiwara no Kinto in his “Waka Kuhin,” and the word “余情” (lingering sentiment) spoken by Kamo no Chomei in “Mumyosho” in later periods as guides in the exhibition. A premonition of something that does not appear in form, but simply because it does not appear, that something is there. In this “re,” we want to think about this point together with the paintings of Ai Kumehara, who has intentionally given a shielding effect to the picture plane using architectural fittings and suggested invisible existence. Kumehara creates a duality of “visible areas—invisible areas” in a single painting, and thus presents to the viewer a picture plane that makes one anticipate and imagine existence through absence. This “anticipation of something that is not before one’s eyes” is the tactile feeling of “background” we want to contemplate in this exhibition, and it seems to me that there are many poetic languages in the art history we bear that express this uncertain touch.

Kenta Takahashi, on the other hand, grasps Japanese painting as “what has remained,” in his own words, and is a painter who grasps and practices the context of Japanese painting today based on a unique historical perspective, taking into account the cultural transformation and alteration of the Meiji and postwar periods. His paintings often depict, with consideration of the reality of life for today’s digitized us, the modality of those living in modern cities, while incorporating line drawing methods unique to Japanese painting as he conceives of it, granular texture derived from his materials, and weaving in the generational sensibility born in Japan in the 1990s. It is as if he is confronting Japanese pictorial sensibility and painting techniques, and intends to bring them into contemporary painting. He says, “The art history that happened to be in the place where I was born had a hard time aligning with at least the Western one. But I don’t want to despair. I want to think of a way to take it positively.” He elements-decomposes art history in which complicated factors are entangled, and rather than ignoring each of these factors that sometimes seem contradictory, he takes as his starting point the soil on which they coexist. What we relied on from Takahashi in this exhibition is “foreground,” that is, the analytical part of the formalism of Japanese painting, but it seems to begin from discerning “what has remained,” as he steadfastly does, and as his words would have it.

Shinzo Okuoka

Artist Profile

Ai Kumehara
Born 1989 in Saitama Prefecture
2023 Graduated from the Japanese Painting Research Program, Graduate School of Tokyo University of the Arts

She employs a technique of creating an underpainting with highly transparent pigments, then pasting thin Japanese paper over the entire picture plane and applying colors with mineral pigments. By once resetting the picture plane to semi-transparency, she makes the boundaries of color and form ambiguous and abstracts what is depicted. From 2019 to the first half of 2020, she conducted research stays at nature reserves and places where nature was artificially created such as Colonie Hève, but from an experience of confronting animals that suddenly appeared at her stay after the disappearance of people due to the COVID-19 lockdown, she paints animals on the picture plane as “something suggestive.”

For detailed profile, click here

Kenta Takahashi
Born 1997 in Aichi Prefecture
2021 Graduated from the Painting Department, Japanese Painting Major, Tokyo University of the Arts
2023 Currently enrolled in the Print Making Major, Graduate School of Fine Arts, Tokyo University of the Arts

Event Overview

biscuit gallery group exhibition
“re2”

Venue: biscuit gallery 1st–3rd floors
Participating artists: Ai Kumehara, Kenta Takahashi
Exhibition period: October 8 (Sunday) – October 28 (Saturday), 2023
Hours: 1:00 PM – 7:00 PM ※Closed Monday–Wednesday
Admission: Free
Cooperation: Shinzo Okuoka
Organized by: biscuit gallery

Opening Party featuring Yuki’s kichen: October 8 (Sunday), 2023, 4:00–7:00 PM ※Both artists are expected to participate

시부야구 마쓰나가와 문화 스트릿에 위치한 현대미술 상업갤러리 biscuit gallery(시부야구 마쓰나가와)에서는 2023년 10월 8일부터 2021년에 제1회를 개최한 전시 「re」의 제2회인 「re2」를 개최합니다.

오프닝 파티는 개막일인 2023년 10월 8일(일) 오후 4시부터 예정하고 있습니다(featuring Yuki’s kichen). 작가 2명도 참여할 예정입니다.

이번 biscuit gallery에서는 2023년 10월 8일부터 10월 28일의 회기에 粂原愛과 髙橋健太에 의한 전시 「re vol.2」를 개최합니다. 지난 「re」에 이어, 본 전시에서는 서유럽 편찬형의 현대미술과 일본미술이 교차하는 오늘날 우리의 미술적 토양을 다시 파악하고 개념화하는 장을 감상자와 함께 공유하려는 의도를 바탕으로, 오늘날 아트씬의 일부 발췌가 되기를 지향합니다.

전시 제목 「re」는 「다시」「반대」 등의 의미를 형성하는 접두사이며, 그 어의적 이유로부터 「re」는 어떤 근원이 되거나 대면하는 「무언가」를 수반합니다. 동시에, 그 「마주하는 무언가」는 본 전시의 큰 주제 중 하나이며, 본 전시의 목적은 외래 미술형식인 현대미술의 형식을 그와는 다른 미술형식이 이미 존재했던 이 나라가 그것을 수용했다는 전제 하에, 그 오늘날 결과적으로 존재하는 아트씬의 일부 표현을 다시 검토하는 것, 또한 그 두 종류의 인자를 모두 폐기하지 않으면서 우리에게 있어 《현대미술》의 양태와 가능성을 다시 살펴보는 것에 있습니다.

그렇지만, 오해를 피하기 위해 말하자면, 이 전시에 참여하는 粂原도 髙橋도 (넓은 의미의 현대 일본이라는 시대 구분을 공유하고 있기는 하지만) 각각 표현의 지향은 다른 아티스트이며, 기획의 취지는 두 사람의 표현상의 공통점을 추론하게 하는 기회 제공이 아닙니다. 다른 지향성을 가진 두 사람이 공유하는 토양에 생각을 돌리는 것, 그리고 교배된 인자를 가진 그 토양 위에 있는 두 미술가의 우수한 작업을 소개하는 것, 기획의 요지는 이 두 가지에 다합니다. 그리고 두 사람의 초청에 있어, 이번 「re」에서는 「손앞과 뒤」라는 라이트모티프를 도입했습니다. 전자는 2000년대 이후 일본회화의 표현형식에 대해, 후자는 일본회화에 있어서의 여백의 존재나 부재의 표현에 대한 다른 말이며, 이 구조를 통해, 즉 「눈에 보이는 것」과 「눈에 (직접) 비추어지지 않는 것」의 두 관측지점에서 우리의 미술에 대해 생각하는 기회를 만들 수 있으면 좋겠습니다.

그렇다면 「뒤」란 무엇인가. 「뒤」란, 눈앞에는 없지만, 예감에 의해 감지할 수 있는 영역이며, 또는 그 감성 자체를 여기서는 정의하고 있습니다. 어둠 속에서 무언가를 느껴 두려워하는 마음, 말 밖에 풍기는 뉘앙스, 또는 타인의 머릿속의 세계. 이를 생각하기 위해, 헤이안 중기의 가인·藤原公任이 『和歌九品』에서 말한 「남는 마음」, 후대에는 鴨長明이 『無名抄』에서 말한 「여정」이라는 말을 전시의 의지처로 삼았습니다. 형태로 나타나지는 않았지만, 나타나지 않았을 뿐, 거기에 있을/있을 것 같은 예감을 하는 것. 이번 「re」에서는, 지금까지 건구를 사용하여 의도적으로 화면에 방해의 효과를 주고, 현현되지 않는 존재를 암시시키는 粂原愛의 회화와 함께, 이 점을 생각해보고 싶습니다. 粂原은 하나의 회화에 「보이는 부분-보이지 않는 부분」의 이중성을 만들어내며, 즉 부재를 통해 존재를 예감시키고, 상상하게 하는 화면을 감상자에게 제시합니다. 그 「눈앞에는 없지만 예감하는 것」이야말로, 본 전시에서 생각하고 싶은 「뒤」의 질감이며, 그 불확실한 촉각을 나타내는 시적 언어가, 우리가 짊어진 미술사에는 많이 보이는 것 같습니다.

한편의 髙橋健太는, 본인의 말을 빌리자면 「남아버린 것」으로서 일본회화를 파악하고, 메이지나 전후의 문화적 개조와 변질을 바탕으로, 고유한 역사관을 기초로 오늘날 일본회화의 컨텍스트를 파악하고 실천하고 있는 페인터입니다. 그의 회화에는, 디지털화된 오늘날 우리에게 있어서의 생활의 리얼리티, 근대 도시의 생활자의 모달리티를 둘러싼 고찰을, 그의 생각하는 일본회화 고유의 선묘법, 기재에서 유래하는 입자적인 텍스처를 취해들이면서, 90년대 일본에서 태어난 세대 감각을 짜 섞으면서 그린 것이 많으며, 이른바 일본적 도상감각과 회화기법에 대면하고, 그것들을 현대회화에 가져오려고 기도하는 듯합니다. 「우연히 태어난 장소에 있던 미술사가, 적어도 서유럽적 그것에는 정합성이 붙기 어려웠다. 그렇다고 절망하고 싶지는 않다. 적극적으로 받아들이는 길을 생각하고 싶다」고 말하는 그는, 복잡한 인자가 얽혀있는 미술사를 요소분해하고, 때로 모순되는 듯 보이는 그것들 하나하나를 무시하는 것이 아니라, 오히려 그것들이 공생한 토양을 시작점으로 합니다. 본 전시에서 髙橋에 의지한 것은 「손앞」, 즉 일본회화의 포르말리즘의 고찰 파트이지만, 그것은 그가 견지하는 방식에서야 비로소, 그리고 그 말을 빌리자면 「남아버린 것」을 분간하는 곳에서 시작하는 것처럼 보입니다.

奥岡新蔵

아티스트 프로필

粂原 愛 | Ai Kumehara
1989년　埼玉県 출신
2015년　摩美術大学 대학원 일본화연구영역　수료

높은 투과도의 물감으로 밑그림을 제작한 후, 화면 전체에 얇은 화지를 붙이고 암채료로 채색하는 기법을 사용합니다. 한 번 화면을 반투명하게 리셋함으로써, 색채와 형태의 경계를 모호하게 하고, 그려진 것을 추상화시킵니다. 2019 – 2020년 전반까지는 자연보호구역, 콜로니헤브 등 인위적으로 자연이 만들어진 장소에 체류하며 취재를 했지만, 코로나바이러스로 인한 락다운으로 사람들이 사라진 체류처에 갑자기 나타난 동물과 대면한 경험에서, 동물을 「무언가를 암시하는 것」으로서 화면 위에 그립니다.

상세 프로필은 여기

髙橋 健太 | Kenta Takahashi
1997년　愛知県 출신
2021년　도쿄예술대학 회화과 일본화 전공 졸업　
2023년　도쿄예술대학 대학원 미술연구과 판화 전공 소속

位于涩谷区松涛文化街的当代艺术商业画廊biscuit gallery（涩谷区松涛）将从2023年10月8日起举办”re2″展览，这是2021年首次举办的展览「re」的第二届。

开幕酒会定于首日2023年10月8日（周日）16时举行（featuring Yuki’s kichen）。两位艺术家也将参加。

biscuit gallery将于2023年10月8日至10月28日举办粂原爱与髙桥健太的展览”re vol.2″。继上次的”re”之后，本展览旨在重新审视和思考当今西欧编纂型当代美术与日本美术相交的我们的美术土壤，与观众共享重新思考的场所，力求成为当今艺术界的一部分摘录。

展览标题”re”是形成”再次””相反”等语义的前缀，基于其词义，”re”必然伴随某种作为基础或对立的”某物”。同时，这个”对面的某物”也是本展览的重大主题之一。本展览的目的是，以当代美术作为外来物种的形式被这个已有不同美术形式的国家接受为前提，重新审视作为其今日结果存在的艺术界一部分的表现，并在不否定这两种因素中的任何一种的情况下，重新审视我们所经历的《当代美术》的样貌与可能性。

然而，为了避免误解，必须说明的是，参加本展览的粂原和髙桥（尽管共享广义上的现代日本这一时代划分）各自的表现志向是不同的艺术家，企划的目的并非提供推断两人表现上共同点的机会。企划的要旨不过两点：思考具有不同志向性的两位所共享的土壌，以及在具有杂交因素的这片土壌上介绍两位美术家的优秀作品。在邀请两位艺术家时，本次”re”引入了”手前与奥”作为副主题。前者是对2000年代以来日本绘画表现形式的言及，后者是对日本绘画中余白的存在或缺失表现的转述。通过这一结构，即从”可见之物”与”不（直接）映入眼帘之物”两个观测点来思考我们的美术。

那么什么是”奥”呢？”奥”是眼前不存在，但能通过预感感知的领域，或者说是该感性本身。在这里，我们将其定义为：感受到黑暗中有什么而感到恐惧的心，隐含其中的细微差别，或他人脑海中的世界。为了思考这一点，我们以平安中期歌人藤原公任在『和歌九品』中所述的”余心”，以及后代鸭长明在『无名抄』中所述的”余情”这两个词作为展览的依据。形式上未曾出现，但正因未曾出现，而给人以某种存在/存在的预感之物。在本次”re”中，我们想通过粂原爱的绘画来思考这一点，她的绘画一直运用建具在画面上有意制造遮挡效果，暗示未被表现的存在。粂原在一幅绘画中创造”可见之处-不可见之处”的二重性，即通过缺失来使人预感存在、想象存在，向观者呈现画面。那个”眼前不存在却能预感到的”正是本展览想要思考的”奥”的质感，而描述这种不确定触觉的诗性语言，似乎在我们所继承的美术史中随处可见。

另一方面，髙桥健太以他自己的话来说，是将日本绘画理解为”留存下来的东西”，以明治及战后的文化改造与变质为基础，以独特的历史观为基点来把握和实践当今日本绘画的语境的画家。他的绘画中融入了对数字化时代我们生活现实的思考、对现代都市生活者现代性的思考，同时运用他所认为的日本绘画特有的线描法和源于技术材料的粒子性纹理，并编织进90年代日本一代人的时代感受。仿佛他是在面对日本图像感觉与绘画技法，并试图将其引入当代绘画。他说：”碰巧出生地拥有的美术史至少与西欧的美术史不易协调一致。但我不想感到绝望。我想思考积极看待它的方式”，他对复杂纠缠的美术史因素进行分解，并非忽视这些看似矛盾的各个因素，而是将它们共生的土壌作为起点。在本展览中我所依靠髙桥的是”手前”，即日本绘画形式主义的思考部分，但这似乎正应该从他所坚持的方式出发，用他的话来说，就是从识别”留存下来的东西”开始。

奥岡新蔵

艺术家简介

粂原 爱 | Ai Kumehara
1989年　埼玉县出身
2015年　摩美术大学大学院日本画研究领域　毕业

在用透光度高的颜料制作完底稿后，在整个画面上贴上薄和纸并用岩彩着色。通过将画面一度重置为半透明，使色彩和形态的边界模糊化，将所描绘的事物抽象化。从2019年至2020年上半年，她曾在自然保护区、人工自然等人为创造的场所进行驻地取材，但由于新冠病毒封锁导致人们消失的驻地中突然出现了动物，这一经历促使她开始将动物作为”暗示某物的东西”在画面上描绘。

详细简介请点击此处

髙桥 健太 | Kenta Takahashi
1997年　爱知县出身
2021年　东京艺术大学绘画科日本画专攻毕业　
2023年　东京艺术大学大学院美术研究科版画专攻就读