biscuit gallery, a contemporary art commercial gallery located on Shibuya Ward Shoto Culture Street (Shibuya Ward Shoto), will hold “re2,” the second edition of the exhibition “re” which was first held in 2021, from October 8, 2023.
An opening party is scheduled for October 8, 2023 (Sunday) at 4:00 PM on the opening day (featuring Yuki’s kichen). Two artists are also expected to participate.
This time, biscuit gallery will hold an exhibition “re vol.2” by Ai Kumehara and Kenta Takahashi from October 8 to October 28, 2023. Continuing from the previous “re,” this exhibition aims to reconsider the artistic soil of today where Western-edited contemporary art and Japanese art intersect, and intends to be a partial excerpt of today’s art scene, sharing with viewers a space to think anew.
The exhibition title “re” is a prefix that forms meanings such as “again” and “opposite,” and for this linguistic reason, “re” is accompanied by something that serves as its origin or confrontation. At the same time, this “something to confront” is one of the major themes in this exhibition, and the purpose of this exhibition is to reconsider some of the expressions in the art scene that exist today as a result, premised on the fact that this country, which already had art forms different from that of contemporary art as a foreign species, accepted it. It also aims to examine anew the aspects and possibilities of “contemporary art” for us without discarding either of these two factors.
That said, to avoid misunderstanding, both Kumehara and Takahashi who participate in this exhibition are artists with different orientations in expression (though they share a broad definition of the era of contemporary Japan), and the purpose of the project is not to provide an opportunity to infer common ground in their expressions. The idea is to think about the soil that two people with different orientive intentions share, and to introduce the excellent work of two art practitioners who stand on that soil with hybridized factors. In inviting the two artists, we introduced a leitmotif of “foreground and background” in this “re.” The former is a rephrasing of the expressive form of Japanese painting since the 2000s, and the latter is a rephrasing of the expression of the existence or absence of negative space in Japanese painting. Through this structure, that is, from two observation points of “what is visible” and “what does not (directly) appear to the eye,” I would like to create an opportunity to think about our art.
So what is “background”? “Background” is defined here as a region that is not before the eyes but can be sensed through premonition, or the sensibility itself. A sense of fear at sensing something in the darkness, a nuance suggested between the lines, or the world in another person’s mind. To think about this, we have relied on the word “余りの心” (heart of surplus) spoken by the Heian middle-period poet Fujiwara no Kinto in his “Waka Kuhin,” and the word “余情” (lingering sentiment) spoken by Kamo no Chomei in “Mumyosho” in later periods as guides in the exhibition. A premonition of something that does not appear in form, but simply because it does not appear, that something is there. In this “re,” we want to think about this point together with the paintings of Ai Kumehara, who has intentionally given a shielding effect to the picture plane using architectural fittings and suggested invisible existence. Kumehara creates a duality of “visible areas—invisible areas” in a single painting, and thus presents to the viewer a picture plane that makes one anticipate and imagine existence through absence. This “anticipation of something that is not before one’s eyes” is the tactile feeling of “background” we want to contemplate in this exhibition, and it seems to me that there are many poetic languages in the art history we bear that express this uncertain touch.
Kenta Takahashi, on the other hand, grasps Japanese painting as “what has remained,” in his own words, and is a painter who grasps and practices the context of Japanese painting today based on a unique historical perspective, taking into account the cultural transformation and alteration of the Meiji and postwar periods. His paintings often depict, with consideration of the reality of life for today’s digitized us, the modality of those living in modern cities, while incorporating line drawing methods unique to Japanese painting as he conceives of it, granular texture derived from his materials, and weaving in the generational sensibility born in Japan in the 1990s. It is as if he is confronting Japanese pictorial sensibility and painting techniques, and intends to bring them into contemporary painting. He says, “The art history that happened to be in the place where I was born had a hard time aligning with at least the Western one. But I don’t want to despair. I want to think of a way to take it positively.” He elements-decomposes art history in which complicated factors are entangled, and rather than ignoring each of these factors that sometimes seem contradictory, he takes as his starting point the soil on which they coexist. What we relied on from Takahashi in this exhibition is “foreground,” that is, the analytical part of the formalism of Japanese painting, but it seems to begin from discerning “what has remained,” as he steadfastly does, and as his words would have it.
Shinzo Okuoka
Artist Profile
Ai Kumehara Born 1989 in Saitama Prefecture
2023 Graduated from the Japanese Painting Research Program, Graduate School of Tokyo University of the Arts
She employs a technique of creating an underpainting with highly transparent pigments, then pasting thin Japanese paper over the entire picture plane and applying colors with mineral pigments. By once resetting the picture plane to semi-transparency, she makes the boundaries of color and form ambiguous and abstracts what is depicted. From 2019 to the first half of 2020, she conducted research stays at nature reserves and places where nature was artificially created such as Colonie Hève, but from an experience of confronting animals that suddenly appeared at her stay after the disappearance of people due to the COVID-19 lockdown, she paints animals on the picture plane as “something suggestive.”
Kenta Takahashi
Born 1997 in Aichi Prefecture
2021 Graduated from the Painting Department, Japanese Painting Major, Tokyo University of the Arts
2023 Currently enrolled in the Print Making Major, Graduate School of Fine Arts, Tokyo University of the Arts
Opening Party featuring Yuki’s kichen: October 8 (Sunday), 2023, 4:00–7:00 PM ※Both artists are expected to participate
시부야구 마쓰나가와 문화 스트릿에 위치한 현대미술 상업갤러리 biscuit gallery(시부야구 마쓰나가와)에서는 2023년 10월 8일부터 2021년에 제1회를 개최한 전시 「re」의 제2회인 「re2」를 개최합니다.
오프닝 파티는 개막일인 2023년 10월 8일(일) 오후 4시부터 예정하고 있습니다(featuring Yuki’s kichen). 작가 2명도 참여할 예정입니다.
이번 biscuit gallery에서는 2023년 10월 8일부터 10월 28일의 회기에 粂原愛과 髙橋健太에 의한 전시 「re vol.2」를 개최합니다. 지난 「re」에 이어, 본 전시에서는 서유럽 편찬형의 현대미술과 일본미술이 교차하는 오늘날 우리의 미술적 토양을 다시 파악하고 개념화하는 장을 감상자와 함께 공유하려는 의도를 바탕으로, 오늘날 아트씬의 일부 발췌가 되기를 지향합니다.
전시 제목 「re」는 「다시」「반대」 등의 의미를 형성하는 접두사이며, 그 어의적 이유로부터 「re」는 어떤 근원이 되거나 대면하는 「무언가」를 수반합니다. 동시에, 그 「마주하는 무언가」는 본 전시의 큰 주제 중 하나이며, 본 전시의 목적은 외래 미술형식인 현대미술의 형식을 그와는 다른 미술형식이 이미 존재했던 이 나라가 그것을 수용했다는 전제 하에, 그 오늘날 결과적으로 존재하는 아트씬의 일부 표현을 다시 검토하는 것, 또한 그 두 종류의 인자를 모두 폐기하지 않으면서 우리에게 있어 《현대미술》의 양태와 가능성을 다시 살펴보는 것에 있습니다.
그렇지만, 오해를 피하기 위해 말하자면, 이 전시에 참여하는 粂原도 髙橋도 (넓은 의미의 현대 일본이라는 시대 구분을 공유하고 있기는 하지만) 각각 표현의 지향은 다른 아티스트이며, 기획의 취지는 두 사람의 표현상의 공통점을 추론하게 하는 기회 제공이 아닙니다. 다른 지향성을 가진 두 사람이 공유하는 토양에 생각을 돌리는 것, 그리고 교배된 인자를 가진 그 토양 위에 있는 두 미술가의 우수한 작업을 소개하는 것, 기획의 요지는 이 두 가지에 다합니다. 그리고 두 사람의 초청에 있어, 이번 「re」에서는 「손앞과 뒤」라는 라이트모티프를 도입했습니다. 전자는 2000년대 이후 일본회화의 표현형식에 대해, 후자는 일본회화에 있어서의 여백의 존재나 부재의 표현에 대한 다른 말이며, 이 구조를 통해, 즉 「눈에 보이는 것」과 「눈에 (직접) 비추어지지 않는 것」의 두 관측지점에서 우리의 미술에 대해 생각하는 기회를 만들 수 있으면 좋겠습니다.
그렇다면 「뒤」란 무엇인가. 「뒤」란, 눈앞에는 없지만, 예감에 의해 감지할 수 있는 영역이며, 또는 그 감성 자체를 여기서는 정의하고 있습니다. 어둠 속에서 무언가를 느껴 두려워하는 마음, 말 밖에 풍기는 뉘앙스, 또는 타인의 머릿속의 세계. 이를 생각하기 위해, 헤이안 중기의 가인·藤原公任이 『和歌九品』에서 말한 「남는 마음」, 후대에는 鴨長明이 『無名抄』에서 말한 「여정」이라는 말을 전시의 의지처로 삼았습니다. 형태로 나타나지는 않았지만, 나타나지 않았을 뿐, 거기에 있을/있을 것 같은 예감을 하는 것. 이번 「re」에서는, 지금까지 건구를 사용하여 의도적으로 화면에 방해의 효과를 주고, 현현되지 않는 존재를 암시시키는 粂原愛의 회화와 함께, 이 점을 생각해보고 싶습니다. 粂原은 하나의 회화에 「보이는 부분-보이지 않는 부분」의 이중성을 만들어내며, 즉 부재를 통해 존재를 예감시키고, 상상하게 하는 화면을 감상자에게 제시합니다. 그 「눈앞에는 없지만 예감하는 것」이야말로, 본 전시에서 생각하고 싶은 「뒤」의 질감이며, 그 불확실한 촉각을 나타내는 시적 언어가, 우리가 짊어진 미술사에는 많이 보이는 것 같습니다.
한편의 髙橋健太는, 본인의 말을 빌리자면 「남아버린 것」으로서 일본회화를 파악하고, 메이지나 전후의 문화적 개조와 변질을 바탕으로, 고유한 역사관을 기초로 오늘날 일본회화의 컨텍스트를 파악하고 실천하고 있는 페인터입니다. 그의 회화에는, 디지털화된 오늘날 우리에게 있어서의 생활의 리얼리티, 근대 도시의 생활자의 모달리티를 둘러싼 고찰을, 그의 생각하는 일본회화 고유의 선묘법, 기재에서 유래하는 입자적인 텍스처를 취해들이면서, 90년대 일본에서 태어난 세대 감각을 짜 섞으면서 그린 것이 많으며, 이른바 일본적 도상감각과 회화기법에 대면하고, 그것들을 현대회화에 가져오려고 기도하는 듯합니다. 「우연히 태어난 장소에 있던 미술사가, 적어도 서유럽적 그것에는 정합성이 붙기 어려웠다. 그렇다고 절망하고 싶지는 않다. 적극적으로 받아들이는 길을 생각하고 싶다」고 말하는 그는, 복잡한 인자가 얽혀있는 미술사를 요소분해하고, 때로 모순되는 듯 보이는 그것들 하나하나를 무시하는 것이 아니라, 오히려 그것들이 공생한 토양을 시작점으로 합니다. 본 전시에서 髙橋에 의지한 것은 「손앞」, 즉 일본회화의 포르말리즘의 고찰 파트이지만, 그것은 그가 견지하는 방식에서야 비로소, 그리고 그 말을 빌리자면 「남아버린 것」을 분간하는 곳에서 시작하는 것처럼 보입니다.
奥岡新蔵
아티스트 프로필
粂原 愛 | Ai Kumehara 1989년 埼玉県 출신
2015년 摩美術大学 대학원 일본화연구영역 수료
높은 투과도의 물감으로 밑그림을 제작한 후, 화면 전체에 얇은 화지를 붙이고 암채료로 채색하는 기법을 사용합니다. 한 번 화면을 반투명하게 리셋함으로써, 색채와 형태의 경계를 모호하게 하고, 그려진 것을 추상화시킵니다. 2019 – 2020년 전반까지는 자연보호구역, 콜로니헤브 등 인위적으로 자연이 만들어진 장소에 체류하며 취재를 했지만, 코로나바이러스로 인한 락다운으로 사람들이 사라진 체류처에 갑자기 나타난 동물과 대면한 경험에서, 동물을 「무언가를 암시하는 것」으로서 화면 위에 그립니다.
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