渋⾕区松涛⽂化ストリートに構える現代アートのコマーシャルギャラリーbiscuit gallery（渋⾕区松濤）では、買える！コレクター展「Collectors’ Collective Vol.5」（通称：コレコレ展）を開催いたします。
会期は2021年12月2日(木)から12月19日(日)まで。
コレコレ展は、2019年の第1回開催から好評を博し、本展が5回目の開催となります。
※過去の開催に関しては以下のリンクより参照ください。
Collectors’ Collective公式サイト：https://collectors-collective.com/
これまでの展覧会と同様に、3名のアートコレクターが集い、それぞれのアートコレクションを披露すると同時に、コレクション作家や注目の作家の新作が披露されます。
参加するアートコレクターは以下の3名です。
石川賢司（1階展示担当）
［自己紹介］
30代後半のアートウォッチャー。
副業で会社員をしている。
コレクション歴は2年半、現在61点の作品を所有。
2007年、無理矢理連れて行かれたジョー・プライスコレクション展で長澤蘆雪にハマり、そこから国内・海外の美術館を巡り、近現代までのアートに触れてはいたが、2018年、直島で宮島達男作品に触れ、同時代のアートを追う面白さに目覚める。
初めてのコレクションは、アートフェア東京2019だった。
作品や作家が好きなのは大前提として、中でもいくつかあるコレクション基準の一つが【独自性】
今回はそれが色濃く出る作家の皆さんに協力していただいた。
ゆとりーマン（2階展示担当）
［自己紹介］
普段は都内に勤務する20代後半のサラリーマン。
コレクション歴は1年半。自身と同世代の作家を中心に、現在約40点の作品を所有。
これまでアートとは無縁の生活を送っていたが、”13歳からのアート思考”を読んだことをきっかけに現代アートに興味を持ち、サラリーマンコレクターの道へ。
現実社会と棲み分けするべく、アート活動時には「ゆとりーマン」を名乗っており主にTwitterにて蒐集した作品の紹介や鑑賞した展示の感想を発信。
残す必要に駆られた作品を蒐集しており、数十年後振り返った際、移りゆく自分史を体現できているようなコレクションを目指している。
gutsurohi（3階展示担当）
［自己紹介］
多摩美大卒、作家活動、画廊勤務の経験をもち、買い手、売り手、作り手の視点を持つコレクター。
現在は会社を経営する40歳で、コレクション歴は7年。
同世代である80年代生まれのペインターを中心にコレクション。全てが日本の作家。その中でも、過小評価されていると感じる作家を応援している。現在、約60点の作品を所有。初めて買った作家は今津景。
自宅は、アートコレクションをすることを前提に建築家を選び、設計開始と同時期にコレクションを始める。
空間を最大限に活かすために、大型の平面作品をコレクションすることが多い。
今回のコレコレ展では、同世代の作家を中心に、キャリアを重ねながらも、新たな表現を模索し続けている作家を選定した。
本展開催に際し、コレコレ展3回⽬の参加者でもあるアートコレクター塚⽥萌菜美⽒よりテキストを寄稿頂きました。
市⺠コレクターが世界を揺るがす。
ーSNSの普及、アートの⺠主化、そしてコレクターズ・コレクティブ展ー
「ハーブ&ドロシー」という映画にもなった夫婦のことをご存知だろうか。ハーブは郵便局員、妻のドロシーは図書館司書で、年収は260万円ほどというごく一般的な夫婦である。しかし、アート業界に携わる人物に二人のことを聞くと、彼らの存在は伝説のような熱狂をもって語られる。
二人の存在がこれまでに際立つのは、決して資金的に恵まれた環境にないものの、その審美眼と行動力で、歴史に残るコレクションを築き上げたという、ある種のコレクターのアメリカンドリームであるからだ。世界中に分布するアートワールドは、上流階級や富裕層、特権階級がひしめく現代にあっては珍しい社交空間であり、素晴らしいコレクションを築き上げるには相応の資金力やコネクションや、ブランディングが必要となる。殊にそれが顕著なアメリカのアート界にあって、公務員夫妻が1960年代から半世紀をかけてパブロ・ピカソやロイ・リキテンシュタインといった当時を代表する作家からヨーゼフ・ボイス、シンディ・シャーマン、村上隆らの作品を収集し、終活として美術館に全コレクションを寄贈したことは、まさに驚きと多大なる尊敬を集めたのである。
さて、この二人の生涯が紹介された映画が日本で公開となった2012年から2013年周辺について思い返してみたい。「日本にアートマーケットは存在しない」と言われた時期を経て、「やっと最低限のインフラが整ってきた」[1]ものの、リーマンショックでアート界にも急激な落ち込みが見られた2008年から、やや立ち直りが見え始めた時期である。既にTwitterとFacebookが日本語対応して5年が経ち、翌年にInstagramの日本語対応化を控えたこの年付近から、日本国内で草の根的なアートラバーたちの先駆ともいうべき人々が、日々のギャラリー訪問やコレクション作品について、いわゆるSNSという統一プラットフォームにて発言をし始めた時期にも重なっている。もちろん彼らは以前にも存在していたものの、ブログなど個々のウェブサイト内で完結していた日々の記録が、こうしたSNSに集約されてきたと言えるだろう。結果的に、多くの人々が各サイトに散り散りになっていた情報を、日々のタイムラインで収集できるようになり、アカウント上での交流が始まり、自らのライフスタイルに導入し、その輪が拡大していく現象が始まったのである。これは何もアートジャンルに限った話ではない。アイドルやミュージシャンのファンでも美味しいレストランを追い求めるコミュニティにも均一に訪れたウェブ上のコミュニティの在り方の変化である。しかし、アートにおいては、ある特徴からより交流が進みやすかったと言えるかもしれない。
それはアートの展覧会が必ず実際の場で行われていたことである。それも美術館ならまだしも、ギャラリーの場合は1週間で完結するイベントもある。その場に行くことは、必然的に普段フォローしている／されている人たちとエンカウントする可能性が非常に高いということだ。記帳されている名前から（アカウント名を書く人もいる）、アカウント上で交流のある人に限りなく近いところにいたということが分かる性質もある。ちょっとしたオフ会のような現象も起こりえるわけだ。
そうした中で2019年に誕生した「コレクターズ・コレクティブ展」はひとつの必然だったかもしれない。コレクション展示でありながら、その作家の新作も買える、新たな形式の展覧会である。もちろんコレクションを見せる場でもあるため、ざっくばらんに言うと気軽なオフ会兼ノウハウ共有の場でもある。アカウント上で交流のあった3人のコレクターが自らのコレクションを展示して紹介し、在廊し、リアルな場で来場者の質問に答える。普段はオンラインで交流しているため忘れがちだが、普段フラットに接しているアカウントでも背後には会社員から社長など、職業もジェンダーも年齢も様々な生身の人間がいる。つまり、初心者にとっても展示方法や購入方法などのノウハウ共有の場でありながら、日常生活で触れ合わないであろう人たちと部活感覚で繋がれるのである。また展覧会形式であるため、訪れた人のフォロワーが来場し、また輪が広がる。別の展示に行ったときに、知り合いとしてアート談議ができる交流が誕生するのである。
こうした状況は、アートの民主化という大きなうねりとして実際にアートの既存の評価軸を変革しつつある。限られた一部の有力者たち（しばしば同一の出自や背景を持つ）が良し悪しを判断していた状況に、多くの市民コレクターの声が響き始めているのだ。つまり既存の評価軸から零れ落ちていた作家たちに光が当たっているのだ。たとえ専門家でも、日本に何千とあるギャラリー全ては回れないが、アート系のSNSアカウントを見て、興味を持った企画に足を運び、その後その専門家がキュレーションする展示に該当作家が呼ばれる現象は実際に起きている。こうした民主主義による視点の多様化が、確実に種をまき、水を与え、出芽した先に光を照らしてきた。その中でもインフルエンサー化した会社員のコレクターがアート系の雑誌・ウェブメディアに取り上げられ、連載を持つことも見受けられるようになってきた。
同等の現象は日本のみならず、同様にアート市場が発展途上であったアジア諸国でも展開されてきている。つまり美術史の枠組みを自国で持たないがゆえに、お手本として示されてきた(もとい近代化の名の下に着せられてきた)欧米各国の白人男性が維持してきた評価軸に、こうした多様な背景を持つ市民の声が届き始めている。アジア系コレクター層の台頭やMe Too運動、Black Lives Matter運動が美術史の書き手そのものを見直す契機になっているのである。これはすなわち美術史の変革である。近年女性や多様なジェンダー、人種による美術史の書き直し、コレクション方針の見直しがなされ始めているのはそのためだ。
2021年12月、「コレクターズ・コレクティブ展」は第5回目を迎える。今回集った3名も、各々ハーブとドロシーのように足しげくギャラリーへ通い、情報収集しながらそれぞれの立場に根差した視点で作品を見つめてきた。三者三様のコレクションはこのアート民主化時代に何を語り、どのような相互関係を生むのだろうか。
[1] 小山登美夫『現代アートビジネス』角川新書、2008年、p.181
塚田萌菜美
5回目となる本展の特徴は、3名のコレクターが1フロアを担当し、フロアの展示をキュレーションいたします。
開催概要
買える！コレクター展「Collectors’ Collective Vol.5」
会場：biscuit gallery 1階〜3階
参加アーティスト（全14名）：青木美紅、網代幸介、岩岡純子、城月、黒坂祐、庄司朝美、田中一太、花沢忍、平野真美、Funny Dress-up Lab、星山耕太郎、松田ハル、三瓶玲奈、渡辺豊 ※50音順
会期：2021年12月2日(木)〜12月19日(日)
時間：13：00〜19：00（土日祝：12：00〜18：00）
※月〜水休
入場：無料
主催：biscuit gallery
協力：Bambinart Gallery、Maki Fine Arts、Yutaka Kikutake Gallery
公式サイト：https://collectors-collective.com/
助成：⽂化庁「ARTS for the future!」補助対象事業
Located on Shibuya Ward’s Matsuō Culture Street, the contemporary art commercial gallery biscuit gallery (Shibuya Ward, Matsusawa) will hold the buyable! Collector Exhibition “Collectors’ Collective Vol.5” (commonly known as the ColoCol Exhibition).
The exhibition runs from December 2, 2021 (Thursday) to December 19, 2021 (Sunday).
The ColoCol Exhibition has been well-received since its first edition in 2019, and this is the fifth installment.
※Please refer to the following link for information about past exhibitions.
Collectors’ Collective Official Website: https://collectors-collective.com/
As with previous exhibitions, three art collectors will gather to showcase their respective art collections, while also presenting new works by collection artists and emerging artists.
The three art collectors participating are as follows:
Kenji Ishikawa (1st Floor Exhibition)
[Self-Introduction]
An art watcher in his late 30s.
Works as a company employee on the side.
Has been collecting for 2.5 years and currently owns 61 works.
In 2007, he was forcibly taken to the Joe Price Collection exhibition and became fascinated with Nagasawa Rosetsu, after which he visited domestic and international museums and encountered art from the modern to contemporary periods. However, in 2018, he encountered a work by Tatsuo Miyajima on Naoshima and awakened to the excitement of pursuing contemporary art from his own time.
His first collection purchase was at Art Fair Tokyo 2019.
While loving the works and artists themselves is the premise, one of his collection criteria is [Uniqueness].
This time, he collaborated with artists in whom this characteristic is prominently expressed.
Yutorimān (2nd Floor Exhibition)
[Self-Introduction]
A salaryman in his late 20s who ordinarily works in Tokyo.
Has been collecting for 1.5 years and currently owns approximately 40 works, focusing primarily on artists of his own generation.
Previously lived a life unrelated to art, but became interested in contemporary art after reading “Art Thinking from Age 13,” embarking on the path of a salaryman collector.
To maintain a distinction from real society, he uses the name “Yutorimān” during his art activities, primarily posting introductions of collected works and reviews of exhibitions he has viewed on Twitter.
He collects works driven by the necessity to preserve them, aiming for a collection that, when reflected upon decades later, embodies the evolution of his own personal history.
gutsurohi (3rd Floor Exhibition)
[Self-Introduction]
A Tamabi University graduate and collector who has experience as an artist and gallery worker, possessing the perspectives of buyer, seller, and creator.
Currently 40 years old and running a company, with 7 years of collecting experience.
Collects primarily painters born in the 1980s, his own generation. All are Japanese artists. Among them, he supports artists he feels are undervalued. Currently owns approximately 60 works. The first artist he purchased was Kei Imazu.
He selected his architect based on the premise of art collecting, beginning his collection simultaneously with the start of the design process.
To maximize the use of space, he frequently collects large-scale flat works.
For this ColoCol Exhibition, he selected artists of his own generation who continue to explore new forms of expression while building their careers.
For this exhibition, art collector Moemi Tsukada, who also participated in the third edition of the ColoCol Exhibition, has contributed text.
Citizen Collectors Shake the World.
—The Proliferation of SNS, the Democratization of Art, and the Collectors’ Collective Exhibition—
Are you familiar with the couple featured in the film “Herb & Dorothy”? Herb was a postal worker and his wife Dorothy was a librarian—an ordinary couple with an annual income of approximately 2.6 million yen. However, when asked about the two by people in the art industry, their existence is spoken of with a legendary fervor.
What has historically made their existence stand out is that, despite not having financially advantageous circumstances, through their aesthetic sensibility and drive, they built a collection that will remain in history—a sort of American Dream for collectors. The art world, distributed globally, is a rare social space in the modern era where upper classes, the wealthy, and the privileged congregate. Building a wonderful collection requires corresponding financial capacity, connections, and branding. Particularly in the American art world, where this is most pronounced, a civil servant couple, over half a century beginning in the 1960s, collected works by representative artists of the time such as Pablo Picasso and Roy Lichtenstein, as well as works by Joseph Beuys, Cindy Sherman, and Takashi Murakami, and upon retiring, donated their entire collection to a museum. This truly garnered surprise and great respect.
Now, let me reflect on the period around 2012 to 2013, when the film introducing the lifetime of these two was released in Japan. After a period when it was said that “Japan has no art market,” though “minimal infrastructure has finally been established,”[1] a sharp downturn in the art world was seen from 2008 following the Lehman shock, with some signs of recovery beginning to emerge. Twitter and Facebook had already been supporting Japanese for five years, and around this time, on the eve of Instagram’s Japanese language support the following year, pioneering grassroots art lovers within Japan began posting about their daily gallery visits and collection pieces on what is known as SNS, a unified platform. Of course, such people had existed before, but whereas daily records had previously been confined within individual websites like blogs, these records began to be aggregated on such SNS platforms. As a result, many people were able to collect information that had previously been scattered across various sites through their daily timelines, interactions began to occur on their accounts, people incorporated this into their own lifestyles, and the circle expanded. This phenomenon was not limited to the art genre. The same changes in online community dynamics occurred uniformly among idol fans, musicians’ fans, and communities pursuing delicious restaurants. However, in the art world, due to certain characteristics, interaction may have been more easily facilitated.
That characteristic is that art exhibitions always take place at actual physical venues. In the case of galleries, rather than museums, some events are completed within a single week. Going to such a place naturally makes the possibility of encountering people one ordinarily follows or is followed by very high. From the names in the guestbook (some write their account names), one can see that the people encountered were in extremely close proximity to those with whom one interacts on one’s account. Small off-meet phenomena could also occur.
In such circumstances, the “Collectors’ Collective Exhibition” born in 2019 may have been inevitable. It is a new form of exhibition—a collection display in which one can also purchase new works by the featured artists. Of course, because it is also a venue for showing collections, to put it bluntly, it is also a casual off-meet combined with a know-how sharing venue. Three collectors who interact on their accounts display and introduce their own collections, are present at the venue, and answer visitors’ questions in real space. Because they ordinarily interact online, it is easy to forget, but behind even accounts one interacts with on a flat basis are real human beings with various professions, genders, and ages—from company employees to company presidents. In other words, for beginners it is a venue for sharing know-how about display methods and purchasing methods, while at the same time allowing one to connect with club-like feelings with people one would not ordinarily encounter in daily life. Additionally, because it is in exhibition format, the followers of those who visit also come, and the circle expands. When visiting another exhibition, one can have art discussions as acquaintances, creating new interactions.
Such circumstances are actually transforming the existing evaluation axes of art as part of a large wave of art democratization. Into a situation where a limited group of influential figures (often sharing the same origins and backgrounds) judged what was good or bad, the voices of many citizen collectors are now beginning to resonate. In other words, artists who were previously overlooked by existing evaluation frameworks are now receiving attention. Even if experts cannot visit every one of the thousands of galleries in Japan, the phenomenon of people viewing art-related SNS accounts, visiting exhibitions that interest them, and subsequently having those artists called upon by exhibitions curated by those experts does actually occur. Such democratically inspired diversification of perspective has certainly sown seeds, watered them, and shined light on what has sprouted. Among these, company employee collectors who have become influencers are now being featured in art magazines and web media and holding columns.
Similar phenomena are unfolding not only in Japan but also in Asian countries where the art market was similarly developing. In other words, because these countries lack their own frameworks of art history, the evaluation axes maintained by white men from Western countries that had been presented as models (or rather, imposed under the name of modernization) are now beginning to receive the voices of citizens from diverse backgrounds. The rise of Asian collector demographics, the Me Too movement, and the Black Lives Matter movement are becoming catalysts for reconsidering the very writers of art history. This is nothing less than a transformation of art history. It is for this reason that in recent years, rewrites of art history and reviews of collection policies by women, diverse genders, and races have begun.
In December 2021, the “Collectors’ Collective Exhibition” reaches its fifth edition. The three collectors who have gathered this time, each like Herb and Dorothy, have frequently visited galleries, gathered information, and viewed works from perspectives rooted in their respective positions. What do the three different collections speak to in this era of art democratization, and what kind of mutual relationships will they create?
[1] Tomio Koyama “Contemporary Art Business,” Kadokawa Shinsho, 2008, p.181
Moemi Tsukada
A characteristic of this fifth edition is that three collectors each oversee one floor and curate the floor’s exhibitions.
Exhibition Overview
Buyable! Collector Exhibition “Collectors’ Collective Vol.5”
Venue: biscuit gallery 1st–3rd Floors
Participating Artists (14 total): Aoki Mika, Ajiro Kosuke, Iwaoka Junko, Shiratsuki, Kurosaka Yu, Shoji Asami, Tanaka Ichita, Hanazawa Shinobu, Hirano Mami, Funny Dress-up Lab, Hoshiyama Kotaro, Matsuda Haru, Sanpei Reina, Watanabe Toyoshi ※Listed in Japanese alphabetical order
Exhibition Period: December 2, 2021 (Thursday) – December 19, 2021 (Sunday)
Hours: 13:00–19:00 (Saturdays, Sundays, and Holidays: 12:00–18:00)
※Closed Monday–Wednesday
Admission: Free
Organizer: biscuit gallery
Cooperation: Bambinart Gallery, Maki Fine Arts, Yutaka Kikutake Gallery
Official Website: https://collectors-collective.com/
Support: ARTS for the future! Subsidy Program by the Agency for Cultural Affairs
⚡ AI Translation
시부야구 마츠오 문화 스트릿에 위치한 현대미술 상업갤러리 biscuit gallery(시부야구 마츠오)에서는 구매 가능한! 컬렉터 전시 「Collectors’ Collective Vol.5」(약칭: 콜레콜레 전시)를 개최합니다.
전시 기간은 2021년 12월 2일(목)부터 12월 19일(일)까지입니다.
콜레콜레 전시는 2019년 제1회 개최 이후 호평을 받아 본 전시가 5회째 개최가 됩니다.
※과거 개최에 관해서는 다음 링크를 참조하세요.
Collectors’ Collective 공식 사이트: https://collectors-collective.com/
이전 전시와 마찬가지로 3명의 미술 컬렉터가 모여 각각의 미술 컬렉션을 선보이는 동시에 컬렉션 작가 및 주목받는 작가의 신작이 선보입니다.
참가하는 미술 컬렉터는 다음 3명입니다.
석천현지(1층 전시 담당)
［자기소개］
30대 후반의 미술 감시자.
부업으로 회사원을 하고 있습니다.
컬렉션 경력은 2년 반으로 현재 61점의 작품을 소유하고 있습니다.
2007년 억지로 가게 된 조 프라이스 컬렉션 전시에서 나가사와 로세츠에 빠져 그곳부터 국내외 미술관을 다니며 근현대까지의 미술에 접해왔지만, 2018년 나오시마에서 미야지마 다츠오의 작품에 접하고 동시대 미술을 추구하는 재미에 눈을 뜹니다.
첫 번째 컬렉션은 아트페어 도쿄 2019였습니다.
작품과 작가를 좋아하는 것이 대전제이지만 그 중에서도 컬렉션의 기준 중 하나가 【독창성】
이번에는 그것이 진하게 드러나는 작가분들의 협력을 얻었습니다.
유토리맨(2층 전시 담당)
［자기소개］
평소 도내에 근무하는 20대 후반의 샐러리맨입니다.
컬렉션 경력은 1년 반으로 자신과 동세대의 작가를 중심으로 현재 약 40점의 작품을 소유하고 있습니다.
이전까지 미술과는 무관한 생활을 하고 있었지만 “13세부터의 미술 사고”를 읽은 것을 계기로 현대미술에 관심을 가져 샐러리맨 컬렉터의 길로 나아갑니다.
현실 사회와 구분하기 위해 미술 활동 시에는 「유토리맨」이라 칭하며 주로 트위터에서 수집한 작품의 소개나 감상한 전시의 감상을 발신합니다.
남겨야 할 필요에 박박 거리며 수집한 작품을 모으고 있으며 수십 년 후 돌아봤을 때 변해가는 자신의 역사를 체현할 수 있는 컬렉션을 목표로 하고 있습니다.
gutsurohi(3층 전시 담당)
［자기소개］
다마미술대학 졸업, 작가 활동 및 갤러리 근무 경험을 가지고 있으며 구매자, 판매자, 제작자의 관점을 가진 컬렉터입니다.
현재 회사를 경영하는 40세로 컬렉션 경력은 7년입니다.
동세대인 80년대 생 페인터를 중심으로 컬렉션을 하고 있습니다. 모두 일본 작가들입니다. 그 중에서도 과소평가받고 있다고 느끼는 작가들을 응원하고 있습니다. 현재 약 60점의 작품을 소유하고 있습니다. 처음 구매한 작가는 이마츠 케이입니다.
자택은 미술 컬렉션을 하는 것을 전제로 건축가를 선정해 설계를 시작하는 동시기에 컬렉션을 시작했습니다.
공간을 최대한 활용하기 위해 대형 평면 작품을 수집하는 경우가 많습니다.
이번 콜레콜레 전시에서는 동세대 작가를 중심으로 경력을 쌓으면서도 새로운 표현을 계속해서 모색하고 있는 작가들을 선정했습니다.
본 전시 개최에 즈음하여 콜레콜레 전시 3회차 참가자이기도 한 미술 컬렉터 츠카다 모에나미 씨로부터 텍스트를 기고 받았습니다.
시민 컬렉터가 세계를 뒤흔든다.
-SNS 보급, 미술의 민주화, 그리고 컬렉터즈 콜렉티브 전시-
「허브 & 도로시」라는 영화가 되기도 한 부부를 알고 계신가요? 허브는 우편국원이고 아내인 도로시는 도서관 사서로 연봉은 약 260만 엔 정도인 지극히 평범한 부부입니다. 그러나 미술 업계 종사자에게 이 두 사람에 대해 묻으면 그들의 존재는 전설적인 열광으로 언급됩니다.
두 사람의 존재가 지금까지 두드러지는 것은 결코 자금적으로 풍족한 환경에 있지 않았음에도 불구하고 그들의 심미안과 행동력으로 역사에 남을 컬렉션을 구축했다는 일종의 컬렉터의 미국식 꿈이기 때문입니다. 세계 곳곳에 분포하는 미술계는 상류층이나 부유층, 특권층이 빽빽하게 들어찬 현대에 드문 사교 공간이며 훌륭한 컬렉션을 구축하기 위해서는 상응하는 자금력과 인맥, 브랜딩이 필요합니다. 특히 그것이 두드러진 미국의 미술계에서 공무원 부부가 1960년대부터 반세기에 걸쳐 파블로 피카소나 로이 리히텐슈타인 같은 당시를 대표하는 작가로부터 요제프 보이스, 신디 셔먼, 무라카미 다카시 등의 작품을 수집하고 종활으로 미술관에 전체 컬렉션을 기증한 것은 놀라움과 큰 존경을 얻었던 것입니다.
그럼 이 두 사람의 인생이 소개된 영화가 일본에서 공개된 2012년부터 2013년 무렵을 돌아보고 싶습니다. 「일본에는 미술 시장이 존재하지 않는다」고 말해지던 시기를 거쳐 「드디어 최소한의 인프라가 정비되어 왔다」[1] 것이 리만 쇼크로 미술계에도 급격한 낙폭이 보인 2008년 이후 다소 회복세를 보이기 시작한 시기였습니다. 이미 트위터와 페이스북이 일본어 대응한 지 5년이 경과했고 그 이듬해 인스타그램의 일본어 대응을 앞두고 있던 이 시기 무렵부터 일본 국내에서 풀뿌리 미술 애호가들의 선구자라고 할 수 있는 사람들이 일상적인 갤러리 방문과 컬렉션 작품에 대해 소위 SNS라는 통일 플랫폼에서 발언을 시작하기 시작한 시기와도 겹쳤습니다. 물론 그들은 이전에도 존재했지만 블로그 등 각각의 웹사이트 내에서 완결되던 일상의 기록이 이러한 SNS로 집약되기 시작했다고 할 수 있습니다. 결과적으로 많은 사람들이 각 사이트에 흩어져 있던 정보를 일상의 타임라인에서 수집할 수 있게 되었고 계정상의 교류가 시작되어 자신의 라이프스타일에 도입하고 그 범위가 확대되어 가는 현상이 시작된 것입니다. 이것은 미술 장르에만 국한된 이야기가 아닙니다. 아이돌이나 뮤지션의 팬이나 맛있는 레스토랑을 찾는 커뮤니티에도 균등하게 찾아온 웹상 커뮤니티의 변화입니다. 하지만 미술에 있어서는 어느 특성으로 인해 교류가 더욱 진행되기 쉬웠다고 할 수 있을 것 같습니다.
그것은 미술 전시회가 반드시 실제 장소에서 열렸다는 것입니다. 게다가 미술관이라면 몰라도 갤러리의 경우 1주일로 완결되는 이벤트도 있습니다. 그 장소에 가는 것은 필연적으로 평소에 팔로우하고 있는/팔로우되고 있는 사람들과 마주칠 가능성이 매우 높다는 의미입니다. 방명록에 기재된 이름으로부터(계정명을 쓰는 사람도 있습니다) 계정상에서 교류 있는 사람에 거의 가까운 곳에 있었다는 것을 알 수 있는 특성도 있습니다. 작은 오프모임 같은 현상도 일어날 수 있는 것입니다.
그러한 가운데 2019년에 탄생한 「컬렉터즈 콜렉티브 전시」는 하나의 필연이었을지도 모릅니다. 컬렉션 전시이면서도 그 작가의 신작도 구매할 수 있는 새로운 형식의 전시입니다. 물론 컬렉션을 보여주는 장소이기도 하므로 솔직히 말하면 가벼운 오프모임 겸 노하우 공유의 장이기도 합니다. 계정상에서 교류 있던 3명의 컬렉터가 자신의 컬렉션을 전시하고 소개하며 재실하고 현장에서 방문객의 질문에 답합니다. 평소에는 온라인으로 교류하기 때문에 잊기 쉽지만 평소 평등하게 접하는 계정의 뒤에도 회사원부터 사장 등 직업도 성별도 나이도 다양한 생생한 인간이 있습니다. 즉 초보자에게도 전시 방법이나 구매 방법 등의 노하우 공유의 장이면서도 일상생활에서 접할 일이 없을 만한 사람들과 부활감각으로 연결할 수 있는 것입니다. 또한 전시 형식이므로 찾아온 사람의 팔로워들이 방문하고 또 범위가 넓어집니다. 다른 전시에 갔을 때 아는 사람으로서 미술담론을 나눌 수 있는 교류가 탄생하는 것입니다.
이러한 상황은 미술의 민주화라는 큰 물결로 실제로 미술의 기존 평가축을 변혁하고 있습니다. 제한된 일부 유력인사들(
⚡ AI Translation
位于涩谷区松涛文化街的当代艺术商业画廊biscuit gallery（涩谷区松涛）将举办可以购买的收藏家展”Collectors’ Collective Vol.5″（简称：收藏展）。
展期为2021年12月2日（周四）至12月19日（周日）。
收藏展自2019年第1回举办以来备受好评，本展为第5次举办。
※关于以往的展览，请参考以下链接。
Collectors’ Collective官方网站：https://collectors-collective.com/
与以往展览相同，将汇聚3位艺术收藏家，展示各自的艺术收藏，同时还将展出收藏家作家和备受关注作家的新作。
参加的艺术收藏家为以下3位。
石川贤司（1楼展示负责）
［自我介绍］
30多岁后期的艺术观察家。
副业为公司职员。
收藏历史为2年半，目前拥有61件作品。
2007年，在被强行带去的乔·普莱斯收藏展上迷上长泽芦雪，之后走访国内外美术馆，接触近现代艺术，但在2018年于直岛接触宫岛达男作品后，觉醒于追寻同时代艺术的趣味。
首次收藏是在2019年艺术博览会东京。
喜欢作品和作家是前提，其中收藏标准之一是【独创性】
这次得到了能够鲜明体现这一点的艺术家们的协助。
ゆとりーマン（2楼展示负责）
［自我介绍］
平时在都内工作的20多岁后期的上班族。
收藏历史为1年半。主要以与自己同龄的艺术家为中心，目前拥有约40件作品。
曾过着与艺术无关的生活，但在读了《13岁开始的艺术思维》后对当代艺术产生兴趣，踏上了上班族收藏家之路。
为了与现实社会分开，在进行艺术活动时使用”ゆとりーマン”这个名字，主要在Twitter上发布收集的作品介绍和参展展览的感想。
收集被迫保留的作品，目标是构建一个能够体现几十年后回顾时自身变迁的收藏。
gutsurohi（3楼展示负责）
［自我介绍］
毕业于多摩美术大学，具有艺术家活动、画廊工作经验，拥有买方、卖方、创作者视角的收藏家。
现年40岁，经营公司，收藏历史为7年。
主要收藏同世代80年代出生的画家。全部是日本艺术家。其中也在支持那些被低估的艺术家。目前拥有约60件作品。首次购买的艺术家是今津景。
自宅以收集艺术品为前提选择建筑师，并在设计开始的同时期开始收藏。
为了最大限度地利用空间，经常收集大型平面作品。
在本次收藏展中，主要选择了同世代的艺术家，他们在积累职业生涯的同时不断探索新的表现方式。
为了举办本展，同时也是收藏展第3次参加者的艺术收藏家塚田萌菜美为我们撰写了文稿。
市民收藏家撼动世界。
——SNS普及、艺术民主化及收藏家集体展——
你知道拍成电影《赫伯和多罗西》的那对夫妇吗？赫伯是邮局职员，妻子多罗西是图书馆员，年收入约260万日元，是非常普通的夫妇。但是，当问起从事艺术行业的人物关于他们时，他们的存在都被以传奇般的热情来讲述。
二人之所以备受关注，在于他们虽然并非处于资金充足的环境中，却凭借敏锐的审美眼光和行动力构建了留存于历史的收藏，是某种收藏家的美国梦。分布于世界各地的艺术界是上流社会、富裕阶层和特权阶级云集的现代稀有社交空间，要构建出色的收藏需要相应的资金实力、人脉和品牌建设。尤其在这一点显著的美国艺术界，一对公务员夫妻在1960年代花了半个世纪时间，从代表那个时代的帕布罗·毕加索和罗伊·利希滕斯坦等艺术家那里，到约瑟夫·博伊斯、辛迪·舍曼、村上隆等艺术家的作品，并在终活中将全部收藏捐赠给美术馆，这确实引起了惊讶和极大的敬意。
现在让我回顾一下这两人的人生被介绍的电影在日本上映的2012年至2013年前后。经历了”日本不存在艺术市场”这样的时期，”基础设施总算逐渐完善”[1]，但从2008年雷曼危机给艺术界带来急剧下滑后，开始有所恢复的时期。Twitter和Facebook已实现日本语化5年，随后将迎来Instagram日本语化的那一年前后，国内草根级艺术爱好者的先驱们开始在所谓的SNS这一统一平台上，就日常美术馆访问和收藏作品进行发言。当然他们之前就存在，但之前记录在博客等个人网站中的日常信息开始汇聚到这些SNS中。结果，散落在各个网站的大量信息可以通过日常时间线进行收集，账户之间开始交流，人们将其融入自己的生活方式，交流圈子不断扩大。这并非仅限于艺术领域。偶像迷和音乐家粉丝、追寻美食餐厅的社区也均等地迎来了这种网络社区形态的变化。但是，对于艺术来说，由于某种特点，交流可能更加容易进行。
那就是艺术展览总是在实际的场所进行。尤其是画廊的情况下，甚至有一周就完结的活动。去那个地方，必然会以很高的概率遇到平时关注的人或被关注的人。从登记簿上的名字（有人会写账户名），可以看出他们与在账户上有交互的人处于极其接近的位置。也会发生如小型线下聚会一样的现象。
在这样的背景下，2019年诞生的”收藏家集体展”可能是一种必然。这是一种新颖的展览形式，既展示收藏作品，又可以购买艺术家的新作。当然，由于也是展示收藏的场所，坦率地说，它也是一个随意的线下聚会兼知识经验分享的场所。3位在账户上有交互的收藏家展示并介绍各自的收藏，进行驻展，在真实场景中回答来访者的提问。由于平时在线上交流，容易忘记一点，即使平时以扁平方式接触的账户背后也有公司职员到总经理等各种职业、性别、年龄的真实的人。换句话说，对初学者来说，既是展示方法和购买方法等知识经验的分享场所，同时也能以俱乐部的感觉与日常生活中不会接触的人相联系。而且由于是展览形式，前来参观的人的粉丝也会来参观，交流圈子不断扩大。在参观其他展览时，可以与相识的人进行艺术讨论的交流由此产生。
这种情况作为艺术民主化的大浪潮，实际上正在改革艺术既有的评价体系。在有限的一些有影响力人物（往往具有相同出身或背景）判断好坏的局面中，众多市民收藏家的声音开始响起。也就是说，从既有评价体系中落网的艺术家们开始获得关注。即便是专家也无法走遍日本的数千家画廊，但观看艺术类SNS账户，前往感兴趣的企划所在地，之后该专家策划的展览中该艺术家被邀请参展的现象确实在发生。这种民主主义视角多样化的做法，确实在不断播种、浇水、让新芽破土而出并投射光芒。其中，已成网红的上班族收藏家也开始被艺术类杂志、网络媒体报道，甚至开设专栏。
同样的现象不仅在日本，也在同样处于艺术市场发展阶段的亚洲国家展开。也就是说，由于自国不具有美术史框架，被当作示范而呈现（或者说被冠以现代化名义强加）的欧美国家白人男性维系的评价体系，开始响起这些具有多样背景的市民的声音。亚洲系收藏家阶层的崛起、Me Too运动、Black Lives Matter运动成为了重新审视美术史书写者本身的契机。这也就是美术史的变革。近年来女性和多样性别、种族的美术史重写和收藏方针的调整开始出现，正是因为这个原因。
2021年12月，”收藏家集体展”迎来第5次展览。这次汇聚的3位，各自如赫伯和多罗西那样频繁去往画廊，收集信息，以各自的立场为基础凝视作品。三位收藏家各具特色的收藏在这个艺术民主化时代会讲述什么，又会产生怎样的相互关系呢？
[1] 小山登美夫《现代艺术商业》角川新书，2008年，第181页
塚田萌菜美
本展第5次的特点是3位收藏家各负责1层楼的展示，并策划该楼层的展览。
展览概要
可以购买的收藏家展”Collectors’ Collective Vol.5″
会场：biscuit gallery 1楼～3楼
参加艺术家（共14位）：青木美红、网代幸介、岩冈纯子、城月、黑坂祐、庄司朝美、田中一太、花泽忍、平野真美、Funny Dress-up Lab、星山耕太郎、松田哈尔、三瓶玲奈、渡边丰 ※按笔画数排列
展期：2021年12月2日（周四）～12月19日（周日）
时间：13：00～19：00（周六周日祝日：12：00～18：00）
※周一至周三闭馆
入场：免费
主办：biscuit gallery
协力：Bambinart Gallery、Maki Fine Arts、Yutaka Kikutake Gallery
官方网站：https://collectors-collective.com/
补助：文化厅”ARTS for the future!”补助对象事业
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