Located on Shibuya Ward’s Matsuō Culture Street, the contemporary art commercial gallery biscuit gallery (Shibuya Ward, Shoto) will hold the buyable! Collector Exhibition “Collectors’ Collective Vol.5” (commonly known as the ColoCol Exhibition).
The exhibition runs from December 2, 2021 (Thursday) to December 19, 2021 (Sunday).
The ColoCol Exhibition has been well-received since its first edition in 2019, and this is the fifth installment.
※Please refer to the following link for information about past exhibitions.
As with previous exhibitions, three art collectors will gather to showcase their respective art collections, while also presenting new works by collection artists and emerging artists.
The three art collectors participating are as follows:
Kenji Ishikawa (1st Floor Exhibition)
[Self-Introduction]
An art watcher in his late 30s.
Works as a company employee on the side.
Has been collecting for 2.5 years and currently owns 61 works.
In 2007, he was forcibly taken to the Joe Price Collection exhibition and became fascinated with Nagasawa Rosetsu, after which he visited domestic and international museums and encountered art from the modern to contemporary periods. However, in 2018, he encountered a work by Tatsuo Miyajima on Naoshima and awakened to the excitement of pursuing contemporary art from his own time.
His first collection purchase was at Art Fair Tokyo 2019.
While loving the works and artists themselves is the premise, one of his collection criteria is [Uniqueness].
This time, he collaborated with artists in whom this characteristic is prominently expressed.
Yutorimān (2nd Floor Exhibition)
[Self-Introduction]
A salaryman in his late 20s who ordinarily works in Tokyo.
Has been collecting for 1.5 years and currently owns approximately 40 works, focusing primarily on artists of his own generation.
Previously lived a life unrelated to art, but became interested in contemporary art after reading “Art Thinking from Age 13,” embarking on the path of a salaryman collector.
To maintain a distinction from real society, he uses the name “Yutorimān” during his art activities, primarily posting introductions of collected works and reviews of exhibitions he has viewed on Twitter.
He collects works driven by the necessity to preserve them, aiming for a collection that, when reflected upon decades later, embodies the evolution of his own personal history.
gutsurohi (3rd Floor Exhibition)
[Self-Introduction]
A Tamabi University graduate and collector who has experience as an artist and gallery worker, possessing the perspectives of buyer, seller, and creator.
Currently 40 years old and running a company, with 7 years of collecting experience.
Collects primarily painters born in the 1980s, his own generation. All are Japanese artists. Among them, he supports artists he feels are undervalued. Currently owns approximately 60 works. The first artist he purchased was Kei Imazu.
He selected his architect based on the premise of art collecting, beginning his collection simultaneously with the start of the design process.
To maximize the use of space, he frequently collects large-scale flat works.
For this ColoCol Exhibition, he selected artists of his own generation who continue to explore new forms of expression while building their careers.
For this exhibition, art collector Moemi Tsukada, who also participated in the third edition of the ColoCol Exhibition, has contributed text.
Citizen Collectors Shake the World.
—The Proliferation of SNS, the Democratization of Art, and the Collectors’ Collective Exhibition—
Are you familiar with the couple featured in the film “Herb & Dorothy”? Herb was a postal worker and his wife Dorothy was a librarian—an ordinary couple with an annual income of approximately 2.6 million yen. However, when asked about the two by people in the art industry, their existence is spoken of with a legendary fervor.
What has historically made their existence stand out is that, despite not having financially advantageous circumstances, through their aesthetic sensibility and drive, they built a collection that will remain in history—a sort of American Dream for collectors. The art world, distributed globally, is a rare social space in the modern era where upper classes, the wealthy, and the privileged congregate. Building a wonderful collection requires corresponding financial capacity, connections, and branding. Particularly in the American art world, where this is most pronounced, a civil servant couple, over half a century beginning in the 1960s, collected works by representative artists of the time such as Pablo Picasso and Roy Lichtenstein, as well as works by Joseph Beuys, Cindy Sherman, and Takashi Murakami, and upon retiring, donated their entire collection to a museum. This truly garnered surprise and great respect.
Now, let me reflect on the period around 2012 to 2013, when the film introducing the lifetime of these two was released in Japan. After a period when it was said that “Japan has no art market,” though “minimal infrastructure has finally been established,”[1] a sharp downturn in the art world was seen from 2008 following the Lehman shock, with some signs of recovery beginning to emerge. Twitter and Facebook had already been supporting Japanese for five years, and around this time, on the eve of Instagram’s Japanese language support the following year, pioneering grassroots art lovers within Japan began posting about their daily gallery visits and collection pieces on what is known as SNS, a unified platform. Of course, such people had existed before, but whereas daily records had previously been confined within individual websites like blogs, these records began to be aggregated on such SNS platforms. As a result, many people were able to collect information that had previously been scattered across various sites through their daily timelines, interactions began to occur on their accounts, people incorporated this into their own lifestyles, and the circle expanded. This phenomenon was not limited to the art genre. The same changes in online community dynamics occurred uniformly among idol fans, musicians’ fans, and communities pursuing delicious restaurants. However, in the art world, due to certain characteristics, interaction may have been more easily facilitated.
That characteristic is that art exhibitions always take place at actual physical venues. In the case of galleries, rather than museums, some events are completed within a single week. Going to such a place naturally makes the possibility of encountering people one ordinarily follows or is followed by very high. From the names in the guestbook (some write their account names), one can see that the people encountered were in extremely close proximity to those with whom one interacts on one’s account. Small off-meet phenomena could also occur.
In such circumstances, the “Collectors’ Collective Exhibition” born in 2019 may have been inevitable. It is a new form of exhibition—a collection display in which one can also purchase new works by the featured artists. Of course, because it is also a venue for showing collections, to put it bluntly, it is also a casual off-meet combined with a know-how sharing venue. Three collectors who interact on their accounts display and introduce their own collections, are present at the venue, and answer visitors’ questions in real space. Because they ordinarily interact online, it is easy to forget, but behind even accounts one interacts with on a flat basis are real human beings with various professions, genders, and ages—from company employees to company presidents. In other words, for beginners it is a venue for sharing know-how about display methods and purchasing methods, while at the same time allowing one to connect with club-like feelings with people one would not ordinarily encounter in daily life. Additionally, because it is in exhibition format, the followers of those who visit also come, and the circle expands. When visiting another exhibition, one can have art discussions as acquaintances, creating new interactions.
Such circumstances are actually transforming the existing evaluation axes of art as part of a large wave of art democratization. Into a situation where a limited group of influential figures (often sharing the same origins and backgrounds) judged what was good or bad, the voices of many citizen collectors are now beginning to resonate. In other words, artists who were previously overlooked by existing evaluation frameworks are now receiving attention. Even if experts cannot visit every one of the thousands of galleries in Japan, the phenomenon of people viewing art-related SNS accounts, visiting exhibitions that interest them, and subsequently having those artists called upon by exhibitions curated by those experts does actually occur. Such democratically inspired diversification of perspective has certainly sown seeds, watered them, and shined light on what has sprouted. Among these, company employee collectors who have become influencers are now being featured in art magazines and web media and holding columns.
Similar phenomena are unfolding not only in Japan but also in Asian countries where the art market was similarly developing. In other words, because these countries lack their own frameworks of art history, the evaluation axes maintained by white men from Western countries that had been presented as models (or rather, imposed under the name of modernization) are now beginning to receive the voices of citizens from diverse backgrounds. The rise of Asian collector demographics, the Me Too movement, and the Black Lives Matter movement are becoming catalysts for reconsidering the very writers of art history. This is nothing less than a transformation of art history. It is for this reason that in recent years, rewrites of art history and reviews of collection policies by women, diverse genders, and races have begun.
In December 2021, the “Collectors’ Collective Exhibition” reaches its fifth edition. The three collectors who have gathered this time, each like Herb and Dorothy, have frequently visited galleries, gathered information, and viewed works from perspectives rooted in their respective positions. What do the three different collections speak to in this era of art democratization, and what kind of mutual relationships will they create?
이전 전시와 마찬가지로 3명의 미술 컬렉터가 모여 각각의 미술 컬렉션을 선보이는 동시에 컬렉션 작가 및 주목받는 작가의 신작이 선보입니다.
참가하는 미술 컬렉터는 다음 3명입니다.
석천현지(1층 전시 담당)
［자기소개］
30대 후반의 미술 감시자.
부업으로 회사원을 하고 있습니다.
컬렉션 경력은 2년 반으로 현재 61점의 작품을 소유하고 있습니다.
2007년 억지로 가게 된 조 프라이스 컬렉션 전시에서 나가사와 로세츠에 빠져 그곳부터 국내외 미술관을 다니며 근현대까지의 미술에 접해왔지만, 2018년 나오시마에서 미야지마 다츠오의 작품에 접하고 동시대 미술을 추구하는 재미에 눈을 뜹니다.
첫 번째 컬렉션은 아트페어 도쿄 2019였습니다.
작품과 작가를 좋아하는 것이 대전제이지만 그 중에서도 컬렉션의 기준 중 하나가 【독창성】
이번에는 그것이 진하게 드러나는 작가분들의 협력을 얻었습니다.
유토리맨(2층 전시 담당)
［자기소개］
평소 도내에 근무하는 20대 후반의 샐러리맨입니다.
컬렉션 경력은 1년 반으로 자신과 동세대의 작가를 중심으로 현재 약 40점의 작품을 소유하고 있습니다.
이전까지 미술과는 무관한 생활을 하고 있었지만 “13세부터의 미술 사고”를 읽은 것을 계기로 현대미술에 관심을 가져 샐러리맨 컬렉터의 길로 나아갑니다.
현실 사회와 구분하기 위해 미술 활동 시에는 「유토리맨」이라 칭하며 주로 트위터에서 수집한 작품의 소개나 감상한 전시의 감상을 발신합니다.
남겨야 할 필요에 박박 거리며 수집한 작품을 모으고 있으며 수십 년 후 돌아봤을 때 변해가는 자신의 역사를 체현할 수 있는 컬렉션을 목표로 하고 있습니다.
gutsurohi(3층 전시 담당)
［자기소개］
다마미술대학 졸업, 작가 활동 및 갤러리 근무 경험을 가지고 있으며 구매자, 판매자, 제작자의 관점을 가진 컬렉터입니다.
현재 회사를 경영하는 40세로 컬렉션 경력은 7년입니다.
동세대인 80년대 생 페인터를 중심으로 컬렉션을 하고 있습니다. 모두 일본 작가들입니다. 그 중에서도 과소평가받고 있다고 느끼는 작가들을 응원하고 있습니다. 현재 약 60점의 작품을 소유하고 있습니다. 처음 구매한 작가는 이마츠 케이입니다.
자택은 미술 컬렉션을 하는 것을 전제로 건축가를 선정해 설계를 시작하는 동시기에 컬렉션을 시작했습니다.
공간을 최대한 활용하기 위해 대형 평면 작품을 수집하는 경우가 많습니다.
이번 콜레콜레 전시에서는 동세대 작가를 중심으로 경력을 쌓으면서도 새로운 표현을 계속해서 모색하고 있는 작가들을 선정했습니다.
본 전시 개최에 즈음하여 콜레콜레 전시 3회차 참가자이기도 한 미술 컬렉터 츠카다 모에나미 씨로부터 텍스트를 기고 받았습니다.
시민 컬렉터가 세계를 뒤흔든다. -SNS 보급, 미술의 민주화, 그리고 컬렉터즈 콜렉티브 전시-
「허브 & 도로시」라는 영화가 되기도 한 부부를 알고 계신가요? 허브는 우편국원이고 아내인 도로시는 도서관 사서로 연봉은 약 260만 엔 정도인 지극히 평범한 부부입니다. 그러나 미술 업계 종사자에게 이 두 사람에 대해 묻으면 그들의 존재는 전설적인 열광으로 언급됩니다.
두 사람의 존재가 지금까지 두드러지는 것은 결코 자금적으로 풍족한 환경에 있지 않았음에도 불구하고 그들의 심미안과 행동력으로 역사에 남을 컬렉션을 구축했다는 일종의 컬렉터의 미국식 꿈이기 때문입니다. 세계 곳곳에 분포하는 미술계는 상류층이나 부유층, 특권층이 빽빽하게 들어찬 현대에 드문 사교 공간이며 훌륭한 컬렉션을 구축하기 위해서는 상응하는 자금력과 인맥, 브랜딩이 필요합니다. 특히 그것이 두드러진 미국의 미술계에서 공무원 부부가 1960년대부터 반세기에 걸쳐 파블로 피카소나 로이 리히텐슈타인 같은 당시를 대표하는 작가로부터 요제프 보이스, 신디 셔먼, 무라카미 다카시 등의 작품을 수집하고 종활으로 미술관에 전체 컬렉션을 기증한 것은 놀라움과 큰 존경을 얻었던 것입니다.
그럼 이 두 사람의 인생이 소개된 영화가 일본에서 공개된 2012년부터 2013년 무렵을 돌아보고 싶습니다. 「일본에는 미술 시장이 존재하지 않는다」고 말해지던 시기를 거쳐 「드디어 최소한의 인프라가 정비되어 왔다」[1] 것이 리만 쇼크로 미술계에도 급격한 낙폭이 보인 2008년 이후 다소 회복세를 보이기 시작한 시기였습니다. 이미 트위터와 페이스북이 일본어 대응한 지 5년이 경과했고 그 이듬해 인스타그램의 일본어 대응을 앞두고 있던 이 시기 무렵부터 일본 국내에서 풀뿌리 미술 애호가들의 선구자라고 할 수 있는 사람들이 일상적인 갤러리 방문과 컬렉션 작품에 대해 소위 SNS라는 통일 플랫폼에서 발언을 시작하기 시작한 시기와도 겹쳤습니다. 물론 그들은 이전에도 존재했지만 블로그 등 각각의 웹사이트 내에서 완결되던 일상의 기록이 이러한 SNS로 집약되기 시작했다고 할 수 있습니다. 결과적으로 많은 사람들이 각 사이트에 흩어져 있던 정보를 일상의 타임라인에서 수집할 수 있게 되었고 계정상의 교류가 시작되어 자신의 라이프스타일에 도입하고 그 범위가 확대되어 가는 현상이 시작된 것입니다. 이것은 미술 장르에만 국한된 이야기가 아닙니다. 아이돌이나 뮤지션의 팬이나 맛있는 레스토랑을 찾는 커뮤니티에도 균등하게 찾아온 웹상 커뮤니티의 변화입니다. 하지만 미술에 있어서는 어느 특성으로 인해 교류가 더욱 진행되기 쉬웠다고 할 수 있을 것 같습니다.
그것은 미술 전시회가 반드시 실제 장소에서 열렸다는 것입니다. 게다가 미술관이라면 몰라도 갤러리의 경우 1주일로 완결되는 이벤트도 있습니다. 그 장소에 가는 것은 필연적으로 평소에 팔로우하고 있는/팔로우되고 있는 사람들과 마주칠 가능성이 매우 높다는 의미입니다. 방명록에 기재된 이름으로부터(계정명을 쓰는 사람도 있습니다) 계정상에서 교류 있는 사람에 거의 가까운 곳에 있었다는 것을 알 수 있는 특성도 있습니다. 작은 오프모임 같은 현상도 일어날 수 있는 것입니다.
그러한 가운데 2019년에 탄생한 「컬렉터즈 콜렉티브 전시」는 하나의 필연이었을지도 모릅니다. 컬렉션 전시이면서도 그 작가의 신작도 구매할 수 있는 새로운 형식의 전시입니다. 물론 컬렉션을 보여주는 장소이기도 하므로 솔직히 말하면 가벼운 오프모임 겸 노하우 공유의 장이기도 합니다. 계정상에서 교류 있던 3명의 컬렉터가 자신의 컬렉션을 전시하고 소개하며 재실하고 현장에서 방문객의 질문에 답합니다. 평소에는 온라인으로 교류하기 때문에 잊기 쉽지만 평소 평등하게 접하는 계정의 뒤에도 회사원부터 사장 등 직업도 성별도 나이도 다양한 생생한 인간이 있습니다. 즉 초보자에게도 전시 방법이나 구매 방법 등의 노하우 공유의 장이면서도 일상생활에서 접할 일이 없을 만한 사람들과 부활감각으로 연결할 수 있는 것입니다. 또한 전시 형식이므로 찾아온 사람의 팔로워들이 방문하고 또 범위가 넓어집니다. 다른 전시에 갔을 때 아는 사람으로서 미술담론을 나눌 수 있는 교류가 탄생하는 것입니다.
이러한 상황은 미술의 민주화라는 큰 물결로 실제로 미술의 기존 평가축을 변혁하고 있습니다. 제한된 일부 유력인사들(
biscuit gallery 