Mei Hattori is a young photographer based in Kamakura.
This time, she held her first domestic exhibition at biscuit gallery’s opening exhibition “biscuit gallery Opening Exhibition Ⅱ”.
Exhibition view
The displayed works consist of a total of 15 pieces: three works—《Shake》, 《Erosion/Erosion》, and 《House》—as well as the 〈Deja Vu/Deja Vu〉 series and the new 〈Became Blue〉 series from this year.
The exhibition showcases attempts at new forms of expression that differ from her works previously seen on websites, making it a worthwhile exhibition to see.
Exhibition viewMei Hattori 《House》 Color photographic print・Panel 2020 560mm×457mm
Her encounter with a camera came on her seventh birthday when she was given one with the advice to “just photograph whatever you like.” Since then, Hattori has continued to press the shutter until the present day at age 26. She uses film cameras for her artwork creation.
Today, it has become a daily practice to photograph with a smartphone and check the photos immediately. On the other hand, photographing with a film camera is a method that requires time and effort to confirm the photographs. It is only when the film is placed in developing liquid in the darkroom that the captured image surfaces, and only after several subsequent processes can one finally reach the stage of printing.
She values the feeling that, through the processes up to development, the memories and emotions from the moment of shooting come back to life. She created a darkroom in her home last year and has since become even more particular about the process and techniques of artwork creation.
Furthermore, after development, she performs no cropping or corrections with image software on the photographs. This is because she believes photographs should capture truth. She considers the characteristics of the cameras and films she uses, thinks carefully about composition, and spends time before shooting as well, visiting the same location multiple times to capture the changes in that place. She creates work wanting to photograph the changes in the location alongside changes in her own emotional state.
The sincere gaze with which she confronts her subjects will be conveyed when viewing her works.
The first displayed works—”Shake/Shake,” “Erosion/Erosion,” and “House”—are likely works classified as snapshots, which are her specialty.
A girl turned away, curled up, gently wrapped in light. Tree branches extending as if covering the sky, emanating vitality.
These are works in which one can feel her warm gaze directed at familiar walking paths and children.
Among these, “House” is interesting in that while it captures the tension of multiple power lines resonating across the screen, overlapping with the roof shape of a house with a blooming hedge, the presence of a man gazing at the solitary hedge gives the photograph a surreal impression.
Exhibition view～〈Deja Vu/Deja Vu〉 series
Next displayed is the 〈Deja Vu/Deja Vu〉 series, which presents a completely different atmosphere.
These works were created by allowing several months to pass between shooting and development, intentionally obscuring the memories and emotions of the moment of capture, and selecting photographs in which the memory of shooting is hazy.
The photographs that remain in record but not in her memory are quietly serene.
When gazing at them intently, there is a sense of being cast alone into this scene—a series of works that made me reconsider whether the photographer’s gaze and emotions are recreated on the photograph through memory.
Finally displayed is this year’s new 〈Became Blue〉 series.
Slender white light and connected mountain shapes emerge from vivid blue frames. At first glance they appear to be paintings created with blue paint, but these too are photographic works. While not very familiar in contemporary times, photographic expression includes methods that do not use cameras.
The 〈Became Blue〉 series is created using a method called cyanotype, one of the classical techniques of photography. In Japan, it is called blueprint. This method was long used for copying architectural plans, and the meaning eventually shifted to refer to future plans and such.
Mei Hattori 《Became Blue No.17》 Cyanotype 2021 230mm×300mm
As for how these were actually created, No.13 was made by placing driftwood on printing paper coated with special chemical liquid and exposing it to sunlight; No.14 was made by exposing printing paper to ocean waves with time intervals; and No.17 was made by placing printing paper in grass to capture the way shadows of grasses and flowers sway in the wind.
Mei Hattori 《Became Blue No.14》 Cyanotype 2021 130mm×130mmMei Hattori 《Became Blue No.13》 Cyanotype 2021 130mm×130mm
The papers contain the sound of the sea, the shimmer of wind, and the sense of that moment in time.
Originally interested in experimental photography, Hattori states that in the future she would like to work with gum printing and chemigrams in addition to cyanotype.
Gum printing is a representative printing method widely used in the pictorialism movement, which aimed at pictorial photographs to establish the artistry of photography at the end of the 20th century when it was not yet recognized as art. Chemigraphy is a method of expression where developing liquid and fixing liquid are used to draw on printing paper as if painting. In Japan, works created using chemigraphy are hardly recognized and remain a rare technique.
One can only wonder what kind of works will be created, and the anticipation for her future exhibitions is high.
Photo：Ujin Matsuo
Chinatsu Sakurai
Chinatsu Sakurai
⚡ AI Translation
서비스 芽生은 가마쿠라 거주의 젊은 사진가다.
이번 비스킷 갤러리의 오프닝 전 「biscuit gallery Opening Exhibition Ⅱ」에서 국내 최초의 전시를 개최했다.
전시 풍경
전시되고 있는 작품은 《Shake》, 《침식／Erosion》, 《House》의 3점과, 〈데자뷔/Deja Vu〉 시리즈, 올해의 신작 〈Became Blue〉 시리즈로 총 15점.
그동안 웹사이트에서 봐온 그녀의 작품과는 다른, 새로운 표현으로의 시도가 이루어지고 있으며 볼 가치 있는 전시가 되어 있었다.
전시 풍경服部芽生《House》 컬러 프린팅 방식 인화·패널 2020년 560mm×457mm
“뭐든 좋아하는 것을 촬영하면 좋아”라고 7살 생일에 건네받은 카메라와의 만남. 이후 26살이 되는 지금까지 셔터를 계속 눌러온 服部. 작품 제작에는 필름카메라를 사용하고 있다.
현재 스마트폰으로 촬영하고 그 자리에서 촬영한 사진을 확인하는 것은 일상적인 행위가 되었다. 반면 필름카메라로의 촬영은 사진을 확인할 때까지 손과 시간이 걸리는 촬영 방법이다. 암실에서 필름을 현상액에 담가 비로소 촬영한 이미지가 떠올라 그 후 여러 공정을 거쳐 마침내 인화할 수 있는 단계가 되는 것이다.
그녀는 현상까지의 공정을 거쳐 그때 촬영 당시의 기억과 감정이 되살아나는 감각을 소중히 하고 싶다고 한다. 작년에 자택에 현상실을 만들어 더욱 작품 제작의 프로세스와 기법에 집착하게 되었다고 한다.
그리고 현상 후의 사진에는 트리밍도 이미지 소프트웨어에서의 수정도 하지 않는다. 그것은 사진은 진실을 담는 것이길 원하기 때문이라고 한다. 사용하는 카메라와 필름의 개성을 고려하고 구도를 생각해서 촬영하는 것은 물론이고, 촬영까지도 시간을 들여 몇 번이나 같은 장소에 나가 그 장소의 변화를 촬영한다. 그 장소의 변화와 함께 자신의 심정의 변화를 담고 싶다고 생각해 제작하고 있다고 한다.
그녀가 진지하게 피사체에 맞서는 눈길은 작품을 보면 전해질 것이다.
처음 전시되고 있는 「흔들리는／Shake」, 「침식／Erosion」, 「House」는 그녀가 잘하는 스냅샷에 분류되는 작품일 것이다.
다른 쪽을 향해 웅크린 소녀를 부드럽게 감싸는 빛. 하늘을 덮을 듯 뻗어난 생명력을 느끼는 나뭇가지.
산책로를 자주 걷고 아이에게 향하는 그녀의 따뜻한 눈길이 느껴지는 작품이다.
특히 「House」는 꽃이 피는 울타리가 있는 집의 지붕 형태와 겹쳐지면서 층층이 연결된 전선이 화면에 울려 퍼지는 긴장감이 포착되는 한편, 덩그렇게 울타리를 응시하는 남성의 존재가 이 사진에 비일상적인 인상을 주고 있어 흥미롭게 느껴졌다.
전시 풍경〜《데자뷔/Deja Vu》 시리즈
다음으로 전시되고 있는 것은 한결 분위기가 바뀐 〈데자뷔/Deja Vu〉 시리즈.
이들 작품은 촬영부터 현상까지 수 개월의 기간을 두어 촬영한 순간의 기억과 감정을 모호하게 만들어 촬영한 기억이 희미한 사진을 선택한 작품이다.
가만히 응시하고 있으면 홀로 이 광경에 내던져지는 듯한 감각이 드는 작품군.
촬영자의 눈길이나 감정이란 기억을 통해 사진 위에 재현되어 가는 것인가 생각하게 되었다.
마지막으로 전시된 것은 올해의 신작 〈Became Blue〉 시리즈.
선명한 파란 화면에서 떠오르는 가는 흰 빛이나 연이어진 산들의 형태. 일견 파란 물감으로 그려진 그림 같지만 이들도 사진 작품이다. 현대에는 그리 낯익지 않지만 사진 표현에는 카메라를 사용하지 않는 것들이 있다.
〈Became Blue〉 시리즈는 사진의 고전 기법 중 하나인 사이아노타입이라고 불리는 방법으로 제작되고 있다. 일본에서는 청사진이라고 불렸던 것이다. 건축 도면의 복사에 오래 사용되던 방법으로 거기서 의미가 옮겨져 앞으로의 계획 등을 가리켜 청사진이라고 하게 되었다.
服部芽生《Became Blue No.17》 사이아노타입 2021년 230mm×300mm
실제로 어떻게 제작되었는지 보면 No.13은 특수한 약액을 칠한 인화지 위에 유목을 올려 햇빛에 노출한 것이고, No.14는 인화지를 바다의 파도에 시간차를 두어 노출한 것, No.17은 인화지를 풀밭에 놓아 풀과 꽃의 그림자가 바람에 흔들리는 모습을 담은 것이라고 한다.
服部芽生《Became Blue No.14》 사이아노타입 2021년 130mm×130mm服部芽生《Became Blue No.13》 사이아노타입 2021년 130mm×130mm
종이 위에 갇힌 바다의 소리나 바람의 흔들림, 그 시간을 느낄 수 있는 작품이 되어 있다.
원래 실험적인 사진에 관심이 있었다는 서비스.
앞으로는 사이아노타입 외에 검 프린트나 케미그람으로 제작하고 싶다고 한다.
검 프린트는 20세기 말에 아직 예술로 인정받지 못했던 사진의 예술성을 확립하기 위해 회화적인 사진을 목표로 했던 픽토리얼리즘의 움직임 속에서 널리 사용된 대표적인 인화 방법이고, 케미그람은 현상액이나 정착액을 사용해 인화지에 그림을 그리듯이 표현하는 방법이다. 일본에서는 케미그람으로 만들어진 작품은 거의 인식되지 않고 있으며 드문 기법이 된다.
biscuit gallery 
